• Цыганова о Пугачевой: королева всех плебеевЦыганова о Пугачевой: королева всех плебеев

    Певица Виктория Цыганова высказалась о том, как себя позиционирует Алла Пугачева, 70-летие которой было отмечено ее сольным концертом в Кремлёвском дворце, сообщает «Царьград».

    Голос на Первом / 59 мин. назад
  • Почему Цывину не похоронят рядом с ЕвстигнеевымПочему Цывину не похоронят рядом с Евстигнеевым

    Скончавшуюся в возрасте 55 лет актрису Ирину Цывину, звезду сериалов «Ольга» и «Кадетство», не смогут похоронить на Новодевичьем кладбище, где покоится ее первый муж Евгений Евстигнеев Об этом «КП» рассказала…

    Голос на Первом / 1 ч. 49 мин. назад
  • Элджей и FEDUK наконец выступят на одной сценеЭлджей и FEDUK наконец выступят на одной сцене

    Исполнители поделились афишей концерта

    Муз-ТВ.ru / 2 ч. 14 мин. назад
  • Газмановы неприятно удивили отца ДецлаГазмановы неприятно удивили отца Децла

    Отец рэпера Кирилла Толмацкого (Децла), продюсер Александр Толмацкий в интервью журналу Esquire рассказал о том, что был удивлен поведением певца Олега Газманова и его семьи после смерти сына.

    Голос на Первом / 3 ч. 19 мин. назад
  • Бывшая жена отвоевала у Башарова квартиру за 15 миллионов и бесценную фамилиюБывшая жена отвоевала у Башарова квартиру за 15 миллионов и бесценную фамилию

    «У нас все хорошо, я с семьей!» — совсем недавно заверял портал Teleprogramma.pro Марат Башаров, отрицая расставание с женой.

    Голос на Первом / 6 ч. 25 мин. назад
  • Лазарев рассказал, кого передумал брать на «Евровидение»Лазарев рассказал, кого передумал брать на «Евровидение»

    Певец Сергей Лазарев, который в этом году будет представлять Россию на международном конкурсе «Евровидение» в Тель-Авиве, решил не брать с собой 4-летнего сына Никиту. Об этом пишет Starhit.

    Голос на Первом / 8 ч. 2 мин. назад
  • Адель рассталась с мужем, пишут СМИАдель рассталась с мужем, пишут СМИ

    Британская певица Адель и ее муж американский бизнесмен Саймон Конекки расстались, сообщает журнал US Weekly со ссылкой на ее представителя.

    Голос на Первом / 10 ч. 53 мин. назад
  • Венсан Кассель стал отцом в третий разВенсан Кассель стал отцом в третий раз

    Известный французский актер Венсан Кассель 19 апреля в третий раз стал отцом. Его супруга — модель Тина Кунаки — родила дочь. Радостной новостью актер поделился в Instagram.

    Голос на Первом / 11 ч. 13 мин. назад
  • Певица Адель рассталась с мужемПевица Адель рассталась с мужем

    Британская певица Адель рассталась со своим супругом бизнесменом Саймоном Конекки, сообщает The Associated Press. Представители артистки подтвердили эту информацию. "Они хотят вместе с любовью воспитывать своего сына. Но также пара просит о конфиденциальности", – говорится в заявлении. Ранее сообщалось, что Адель заработала за мировой тур 197 миллионов долларов. Также британской певице предложили первую роль в Голливуде. Новости от Корреспондент.net в Telegram. Подписывайтесь на наш канал https://t.me/korrespondentnet

    Korrespondent.net / 11 ч. 34 мин. назад далее
  • Цывина перед смертью заявила о беременности, сообщил Малахову ее любовникЦывина перед смертью заявила о беременности, сообщил Малахову ее любовник

    Покойная вдова Евгения Евстигнеева Ирина Цывина хотела родить двойню отсвоего возлюбленного, актера Дениса Сердюкова. Об этом сообщает Teleprogramma.pro.

    Голос на Первом / 12 ч. 6 мин. назад
  • Парк «ямайского» периода. SHOW ME A DINOSAUR, TRNA, CHALLENGER DEEP в МинскеПарк «ямайского» периода. SHOW ME A DINOSAUR, TRNA, CHALLENGER DEEP в Минске

    Это концерт должен был состояться давно, но все не выходило: то из-за неполученной визы срывался евротур, то что-то еще — однако Антон из Vse Booking оказался достаточно упрямым, чтобы таки организовать выступление питерской связки TRNA / SHOW ME A DINOSAUR — групп, играющих вместе так часто, что, есть мнение, одна может запросто сыграть треки другой. Так, на трассе между Будапештом и Москвой в туровый график затесался минский бар «Ямайка», не особо приспособленный для концертов, однако обладающий обширным запасом алкоголя, что в пятничный вечер сгубило не одну шальную забредшую душу. Само по себе заведение тематично и антуражно: черепочки, логотипы, наскальная рок-живопись. Ярко, броско, просторно и даже душевно. Однако сцены в «Ямайке» как таковой, к сожалению, нет — равно как и отсутствует подобие освещения: по сути, выступления групп подсвечивались лишь зеленым фонарем да новогодней гирляндой. Так, в темном углу в этот вечер надрывались и рвали струны трудноразличимые мрачные фигуры, время от времени эпилептически вздрагивающие под вспышками грустных фотографов. Было крайне андеграундно и немножко интимно, словно на застенчивой школьной дискотеке. Звук, тем не менее, удалось отстроить прилично — и начиная с восьми вечера низкие натяжные потолки бара дрожали, пульсировали и тряслись под шквальными порывами пост-метала, пост-хардкора, пост-блэка — всей этой эмоциональной и напряженной пост-музыки, которую ценят хипстеры, программисты, люди в узких штанишках, с бородками и модных очках, а также (почему-то) по-прежнему игнорируют металхеды. Три группы — об одном, но по-разному. Как всегда психически неусточивый, жестокий и беспокойный CHALLENGER DEEP, с агрессивно-рваным, лающим ором и дискомфортно ломаной ритмикой, тонущей в блэковом чесе и чертовом омуте гитарной мелодики. Очень… узнаваемо. Интенсивно. И стрессово. Коллектив, от которого тянет нервно курить — даже если, к примеру, не курил никогда. Впрочем, были и здоровые средства: группа TRNA сделала все, чтоб, не тратясь на яды, погрузить себя и десяток-другой под сценой в разноцветный паноптикум диковинных снов. Бесконечные, бездонные композиции — 10, 15, 20 минут, об извечном и поездках Вовне, об эпических трипах Вовнутрь — размеренный, прозрачно-эмбиентальный black-gaze, обращающийся в мановение в вихрь; сносящий, уносящий, увлекающий, трансовый. В 2018-м группа выпустила третий полноформатный альбом Earthcult, и, кому не спится в этой ночи, попробуйте в качестве мирного галлюциногена. На концерте проверено: действует. А затем в «Ямайке» показывали динозавров. Из числа буйных. Тревожных, потерянных и кричащих о страшном и грустном. «Война Хруст костей Миллионов сломанных судеб Сливаются в песню во имя идей Пары тщеславных ублюдков» Вокальных партий у «динозавров», впрочем, немного — и домысливать, сопереживая, приходится самостоятельно. На сегодняшний день в архиве у группы два полноформатных альбома, несколько синглов, а также — из последнего — замечательная душевная вещь «Unsaid» из сплита Imperfect 2017 года с коллегами по меланхолии. SHOW ME A DINOSAUR — многогранный вощеный пост/атмоблэк, крутая подача, а также (сказывается богатый гастрольный опыт) умение выжать из темного угла нулевой сцены проникновенно-массивное шоу, несмотря на попытки особо пьяных падать, к примеру, под ноги. Народ оголтело отрывался, замирая на трогательных моментах и снова срываясь в расколбас в штормовые периоды. Достойный финал, третья глава пятничной пост-метал истории, развернувшийся в «Ямайке» и оставшейся в памяти всех, кто ждал, кто хотел и кто на радостях угорел разом за все «непривозы». (с) фото Siarhei «petrowitch» Hahulin

    Hitkiller.com / 16 ч. 19 мин. назад далее
  • По секрету всему свету: Лена Ленина раскрыла причину конфликта Ольги и Марии ШукшиныхПо секрету всему свету: Лена Ленина раскрыла причину конфликта Ольги и Марии Шукшиных

    Лена Ленина иногда размышляет о взаимоотношениях звезд и их родственников. Не так давно писательница выяснила, что произошло между Ольгой Бузовой и её сестрой. Теперь очередь дошла до наследниц Шукшина.

    Голос на Первом / 17 ч. 18 мин. назад
  • Золя бы угорел от восторгаЗоля бы угорел от восторга

    О мировой премьере камерной оперы Филиппа Майнтца «Тереза»Сюжет романа Эмиля Золя «Тереза Ракен» (1867) — материал абсолютно беспроигрышный: осиротелость, безденежье, вынужденный брак, скрытые желания, похоть, оголтелый секс, убийство, двойное самоубийство, он расчётливый подонок, она — нимфоманка-идиотка, — словом, прелесть, а не сюжет, так и просится в оперу (чего туда только ни просится, в конце концов). А поскольку всё, что сегодня можно узнать из телепередач Андрея Малахова, давно уже было прописано в деталях и подробностях у Э. Золя, А. Чехова, И. Куприна и Н. Лескова, появление камерной оперы немецкого композитора Филиппа Майнтца «Тереза» — событие, скорее, ретроградное, чем авангардное; дань традиции, скажем так. И в самом деле: музыкальный язык, использованный Филиппом Майнтцем, напоминает лексику и синтаксис «Воццека» Альбана Берга, а про сюжет и так давно всё ясно: центральную его коллизию наш Лесков препарировал в своей «Леди Макбет» за три года до публикации «Терезы Ракен». В общем, получается и содержательно не свежо, и по форме не ново. Чем же был обусловлен необыкновенный успех этой полуторачасовой оперы на престижном Пасхальном Зальцбургском фестивале, посетителям которого, как известно, капризности не занимать? Прежде всего, удачным «сценарием». Автор либретто к опере – певец (!) Отто Катцмайер — представил работу такого класса, какой и от профессиональных-то литераторов ожидать было бы чрезмерным оптимизмом. В эпизодах, из которых соткано оперное повествование «Терезы», роман Золя заиграл той самой натуралистичной надэмоциональной красотой препарированного животного убожества, к изображению которого Золя стремился, но которого так и не достиг: текст романа действительно как-то уж чрезмерно целомудрен даже для XIX в., не говоря уж о границах допустимого в наше лютое время. Например, вот как описана в романе первая грубая любовная сцена: «При первом же поцелуе она раскрылась как сладострастница. Ее неудовлетворенная плоть исступленно погрузилась в негу. Она как бы пробуждалась от сна, она рождалась для страсти. Она переходила из хилых рук Камилла в мощные руки Лорана, и прикосновение сильного мужчины вызывало в ней резкую встряску, которая пробуждала ее тело от сна...» — это, если не ошибаюсь, самая порнографическая сцена из всего романа, который парижская критика заклеймила как оскорбительно развратный. Немудрено, что, убрав из либретто лишних персонажей и оставив лишь ключевые сюжетные сцены, Катцмайер получил жёсткий сгусток-отчёт о природе любовного треугольника, который сам собой образуется, когда сильный самец отнимает у слабого самку, не сильно-то ему и нужную, но чего ж не воспользоваться, коль есть. По-своему обыгрывает Катцмайер и психиатрический компонент романа, вводя сцены «дежавю» (несколько раз возникающие посреди действия намёки на финальное самоубийство героев) и изящно уклоняясь от дешёвой иллюстративной игры с появлением утопленника в кровати новобрачных преступников. Иными словами, либретто получилось и короче, и напряжённее книги, и, на мой взгляд, оно даже более соответствует замыслу Э. Золя, чем сам роман писателя. Теперь о музыке. Как я уже заметил, сюжет романа Золя коварно примитивен, и только тонкая работа со звуком, отражающим и дополняющим психоделическую отрешённость повествовательной ткани первоисточника, смогла бы придать эмоциональный объём бытовым зарисовкам романа, схематически постным даже в описаниях подготовки убийств. Музыканты Гамбургского филармонического государственного оркестра под управлением Николя Андре гипнотизировали своей работой: скрипичные тремоло растворялись в шелесте ударных, сливались с шорохами аккордеона и переплетались со звучанием группы духовых. Работа была проделана ювелирная, но эмоциональный эффект 3D был достигнут скорее вокальными средствами, а не инструментальными (всё-таки оркестровая часть партитуры Ф. Майнтца построена так, что на инструментах не играют, но с ними как бы играются). Запредельно диапазонные партии главных героев, их изобразительный лаконизм и непредсказуемое развитие рисунка тесситуры (когда бас, например, неожиданно поднимается в диминуэндо до середины второй октавы), — пожалуй, главная удача композитора, к которым я бы также отнёс и использование контртенора для изображения немощно «бесполого» Камиля. Идеальным я бы назвал и подбор артистов. Исполнительница титульной партии американская сопрано Марисоль Монтальво чисто и драматически ярко озвучивает все верхние ноты горлодёрной партии Терезы, обладает плотным и живописным тембром и прекрасной актёрской подготовкой. Её Тереза, как и положено по тексту, на наших глазах превращается из забитой послушной девочки в разъярённую тигрицу-убийцу (к слову, это превращение прекрасно обыгрывается и в костюме главной героини, созданном художником спектакля Мари-Терезой Йоссен). Превосходная работа. Автор либретто – бас Отто Катцмайер – исполнил в премьерном спектакле партию Лорана. Его герой, изначально циничный и дерзкий, действительно влюбляется в свою жертву, которую сначала хотел лишь использовать в своих целях. Обладая обертоново богатым голосом, певец фантастически точно передаёт перерождение своего героя из наглого самца в несчастную зверушку, зависимую от чувств и страхов. Невероятно близким к тексту прочтением образа Камиля стала работа контртенора Тима Зеферло: его Камиль наивен и капризен, самолюбив и застенчив. При всей своей беспомощности он не вызывает сочувствия к своей «эгоистичной невозмутимости». Изумительный рисунок образа словно вырастал из блестящей вокальной работы певца. Мать Камиля и тётка Терезы – госпожа Ракен – была исполнена легендарной Ренатой Беле. Партия госпожи Ракен не столько вокальная, сколько театральная, и примадонна штуттгартской сцены филигранно справляется с непростыми актёрскими задачами, связанными с постоянным присутствием её героини на сцене. В одном из финальных эпизодов, когда старуха Ракен узнаёт об истинной причине гибели своего сына, но, будучи парализованной, ничего не может предпринять, певица словно превращается в германского канцлера Ангелу Меркель, беспомощно неподвижную статую женщины, благие намерения которой привели к гибели всего, что она любила. Поставлена опера «Тереза» была режиссёром Георгесом Делноном в стиле экономного аскетизма в лучших традициях брехтовского театра. Многофункциональные декорации, видеопроекции и игра со светом помогли создать гармоничное по форме полотно, захватывающее даже не сюжетом и не спецэффектами, не трюками и не натурализмом, а вокально-драматической работой ансамбля исполнителей, оторваться от которой было невозможно на протяжении всего представления. В заключение, размышляя о ценности состоявшегося в Зальцбурге события, я позволю себе несколько смелое замечание о том, что основной корпус «классического» оперного наследия не учит ведь современного зрителя ничему совершенно: четыре века истории оперного искусства представляют собой прекрасные партитуры, большая часть которых напрочь лишена жизненной правды, и практически всё, что сегодня можно услышать и увидеть на оперных подмостках, ничего не даёт уму в методическом плане. Конечно, опера — это, прежде всего, развлечение. Но в этом сегменте конкурировать с кино и беллетристикой ни по доступности, ни по другим параметрам никакая опера никогда не сможет. После сегодняшней премьеры оперы «Тереза» я подумал, что именно в этой «гносеологической бесполезности» и кроются корни современного кризиса оперы. Претендуя на элитарность, опера сама по себе ничего уж такого элитарного и драгоценного своим потребителям не даёт, и, признаться, я не очень понимаю, почему. Почему оперный театр сегодня не предлагает рабочих поведенческих моделей, не предлагает никаких нормальных решений сложных житейских проблем, кроме как задушить, отравить, застрелить, сойти с ума или утонуть (утопить, удавить)? Почему опера ничему не учит? Я действительно не понимаю. Перебирая в памяти наиболее популярные оперные сюжеты, волей-неволей удивишься, как мы, меломаны со стажем, ещё психопатами все не заделались от многократного созерцания всех этих музыкально эстетизированных неврозов на оперной сцене. С одной стороны, новая опера Ф. Майнтца «Тереза» ничем принципиально не выделяется из ряда традиционных оперных сюжетов, в конце которых «все умерли», а с другой, — это одна из редких и, к счастью, удачных попыток не поразвлечь нас посредством созерцания психиатрических феноменов, а обнажить механизм формирования этих феноменов, вывернуть их наизнанку при помощи музыкального действия и актёрского мастерства, чтобы напомнить нам о том, как мало мы знаем самих себя и как быстро может добро обернуться злом, послушная девочка — убийцей, отпетый негодяй — страдальцем, грозный хозяин — несчастной жертвой, а прекрасная сказка — пепельной пылью. Фото: Matthias Creutziger

    Belcanto.ru / 18 ч. 28 мин. назад далее
  • «Воровал у мамы деньги»: сын умершей Цывиной пришел в студию Малахова«Воровал у мамы деньги»: сын умершей Цывиной пришел в студию Малахова

    Евгений Благонравов, сын актрисы Ирины Цывиной, скончавшейся накануне в Москве, принял участие в программе Андрея Малахова «Прямой эфир» и поругался с ведущим.

    Голос на Первом / 19 ч. 14 мин. назад
  • Сука-любовь. Слушаем новую тему ACCEPT «Life’s A Bitch»Сука-любовь. Слушаем новую тему ACCEPT «Life’s A Bitch»

    Пока все готовятся к выходным (минчанам напомню: через пару часов можно будет по уши погрузиться в пост-метал), группа ACCEPT собирается в турне «Symphonic Terror», обновляет состав (не так давно после продолжительных прослушиваний место бас-гитариста занял Martin Motnik из малоизвестной команды CODE OF PERFECTION), а также дразнит фанатов синглом с броским названием «Life’s A Bitch». «Мне нравится эта фраза, — говорит Wolf Hoffmann, — и кто ж с нею не согласится? Это универсальная истина, которая всем известна, хотя истории каждого могут быть разными».

    Hitkiller.com / 21 ч. 42 мин. назад далее
  • До/после макияжа: Виктория Дайнеко показала честные снимкиДо/после макияжа: Виктория Дайнеко показала честные снимки

    Немного преображений

    Муз-ТВ.ru / 21 ч. 45 мин. назад
  • LOBODA, MONATIK, Валерия: Что послушать в выходныеLOBODA, MONATIK, Валерия: Что послушать в выходные

    Яркие новинки недели 15-21 апреля

    Муз-ТВ.ru / 22 ч. 15 мин. назад
  • Gruppa Skryptonite и ЯАVЬ записали совместный LIVEGruppa Skryptonite и ЯАVЬ записали совместный LIVE

    Артисты сделали смелый музыкальный эксперимент

    Муз-ТВ.ru / 23 ч. 20 мин. назад
  • MOLLY стала блондинкойMOLLY стала блондинкой

    Певица кардинально сменила имидж

    Муз-ТВ.ru / 1 д. 0 ч. 15 мин. назад
  • Стриминговые сервисы не лучшим образом влияют на экологиюСтриминговые сервисы не лучшим образом влияют на экологию

    Кажется, что массовый переход с винила и CD на потоковое воспроизведние должен был благоприятно сказаться на окружающей среде. Всё оказалось наоборот

    PromoDJ.ru / 1 д. 0 ч. 35 мин. назад
  • Фанаты перепутали Настю Каменских с Ким КардашьянФанаты перепутали Настю Каменских с Ким Кардашьян

    Похожи?

    Муз-ТВ.ru / 1 д. 1 ч. 15 мин. назад
  • Ольга Бузова эпатировала фанатов новым образомОльга Бузова эпатировала фанатов новым образом

    Певица продемонстрировала необычный look

    Муз-ТВ.ru / 1 д. 1 ч. 45 мин. назад
  • Участницу SEREBRO госпитализировали сразу после выступленияУчастницу SEREBRO госпитализировали сразу после выступления

    Эксклюзив PROНовостей

    Муз-ТВ.ru / 1 д. 2 ч. 15 мин. назад
  • MONATIK выпустил яркий танцевальный клипMONATIK выпустил яркий танцевальный клип

    Исполнитель представил видео на LOVE IT ритм

    Муз-ТВ.ru / 1 д. 3 ч. 45 мин. назад
  • Видео к премьерной песне Лободы назвали плагиатомВидео к премьерной песне Лободы назвали плагиатом

    Украинская певица Светлана Лобода презентовала новую песню Пуля-дура. Также звезда опубликовала небольшое видео к ней на своем официальном YouTube-канале. Премьера песни состоялась в пятницу, 19 апреля. За несколько часов трек собрал больше 15 тысяч прослушиваний на YouTube и в два раза больше на странице певицы в Instagram. В небольшом ролике к треку Светлана Лобода танцует с двумя скелетами. Звезда одета в откровенное мини-платье с леопардовым принтом. В ходе танца певица "снимает с себя кожу" также превращаясь в скелет. Пользователи увидели в этом ролике плагиат на клип Робби Уильямса Rock DJ. Кроме того юзеры раскритиковали излишнюю откровенность Лободы. Ранее Светлана Лобода в образе скелета анонсировала новый трек. Также сообщалось, что Лобода восхитила поклонников фото в одном полотенце. Новости от Корреспондент.net в Telegram. Подписывайтесь на наш канал https://t.me/korrespondentnet

    Korrespondent.net / 1 д. 3 ч. 52 мин. назад далее
  • LOBODA выпустила новый хитLOBODA выпустила новый хит

    Песня «‎Пуля-дура»‎

    Муз-ТВ.ru / 1 д. 4 ч. 55 мин. назад
  • Названы победители премии Золотая Жар-птица 2019Названы победители премии Золотая Жар-птица 2019

    В Киеве состоялась торжественная церемония вручения премии Золотая Жар-птица 2019. Обладателями главных наград - званий лучших певца и певицы - стали Сергей Бабкин и Злата Огневич. Об этом сообщается на странице телеканала М2 в Instagram. Украинская премия была основана еще в 1996 году, однако в 2004 году временно прекратила свое существование. Возобновили ее лишь в прошлом году.           Переглянути цей допис в Instagram                   Статуетка у номінації "Співак року" дісталася - @babkin_official ✨ #золотажарптиця2019 Допис, поширений M2. Увімкни своє (@m2ukraine) 18 Кві 2019 р. о 12:04 PDT В целом в ней насчитывается одиннадцать номинаций, за победу в которых боролись по пять артистов. Лучшей поп-группой в этом году признали KAZKA, а Лучшим хитом года - ее композицию Плакала.           Переглянути цей допис в Instagram                   Статуетка у номінації "Співачка року" дісталась - @zlata.ognevich ✨ #золотажарптиця2019 Допис, поширений M2. Увімкни своє (@m2ukraine) 18 Кві 2019 р. о 12:19 PDT Прорывом года стала DILEMMA, а лучшей рок-группой назвали коллектив Беz обмежень. Также был ряд других номинаций: Инди: KADNAY Клип года: Воплі Відоплясова – "Кобіта" Баллада года: THE HARDKISS – "Мелодія" Дэнс хит (танцевальный хит): Злата Огневич – "Долоні" Народный хит: Потап & Олег Винник – "Найкращий день" OST "Скажене Весілля".           Переглянути цей допис в Instagram                   Статуетка у номінації "Хіт-року" за пісню "Плакала" дісталася - @kazka.band ✨ #золотажарптиця2019 Допис, поширений M2. Увімкни своє (@m2ukraine) 18 Кві 2019 р. о 11:18 PDT Ранее сообщалось, что скандальный клип культовой рок-группы Rammstein стал интернет-хитом.  Новости от Корреспондент.net в Telegram. Подписывайтесь на наш канал https://t.me/korrespondentnet

    Korrespondent.net / 1 д. 5 ч. 55 мин. назад далее
  • Так весна или нет? Ищем ответы в новом альбоме BLINDEAD «Niewiosna»Так весна или нет? Ищем ответы в новом альбоме BLINDEAD «Niewiosna»

    В начале месяца поляки BLINDEAD выпустили, пожалуй, свой самый странный альбом — Niewiosna, воспринимающийся как саундтрек к беспокойному, нервному, черно-белому фильму. Niewiosna by Blindead

    Hitkiller.com / 1 д. 17 ч. 9 мин. назад
  • Блэк-метал милота: мультяшный клип BELZEBUBS «Cathedrals Of Mourning»Блэк-метал милота: мультяшный клип BELZEBUBS «Cathedrals Of Mourning»

    Неясно, кто скрывается за проектом BELZEBUBS, известно лишь, что родом он из Финляндии, а в апреле выходит альбом Pantheon Of The Nightside Gods. (Впрочем, согласно легенде, квартет играет аж с 2002, и уже существует два подпольно изданных лонгплея.) BELZEBUBS — это GORILLAZ от экстремальной-музыки: умилительные черно-белые мультики с саундтреком в формате вполне серьезного и симпатичного мелодик блэк-метала. В конце марта Century Media Records (предложившие BELZEBUBS со старта контракт на три альбома) показали на своем ютуб-канале анимационный клип «Cathedrals Of Mourning», и это слишком мило, чтобы не продемонстрировать всем, кто еще, возможно, не видел. For the ones who never die Dreaming through forgotten times I call your hallowed name From beyond the grim stars…

    Hitkiller.com / 1 д. 17 ч. 21 мин. назад далее
  • ещё новости
  • Представлен новый контроллер Pioneer DDJ-800Представлен новый контроллер Pioneer DDJ-800

    Компания Pioneer DJ уже в начале лета начнет продажи свежего двухдекового диджейского контроллера для Rekordbox

    PromoDJ.ru / 1 д. 21 ч. 43 мин. назад
  • Дэвид Линч снялся в новом видео Flying LotusДэвид Линч снялся в новом видео Flying Lotus

    Новый альбом ФлайЛо, в который войдут совместные треки с Джорджем Клинтоном, Андерсоном Пааком, Solange и Toro Y Moi, выйдет в конце мая

    PromoDJ.ru / 1 д. 22 ч. 18 мин. назад
  • Beyonce анонсировала фильм и альбом с 40 песнямиBeyonce анонсировала фильм и альбом с 40 песнями

    Популярная певица Beyonce анонсировала выход собственного документального фильма для платформы Netflix. Об этом сообщает CNN. О скором выходе ленты 37-летняя певица сообщила поклонникам на своей странице в Instagram. Картина будет назваться Homecoming (Возвращение домой) и расскажет о личной жизни, карьере и выступлении певицы на культовом фестивале Coachella в 2018 году.         Посмотреть эту публикацию в Instagram                       Публикация от Beyoncé (@beyonce) 17 Апр 2019 в 12:33 PDT Кроме того, Бейонсе сообщила о выходе одноименного альбома, в который вошли 40 композиций. Треки были исполнены в живую на концертах звезды. Также в пластинку войдет новая песня Before I Let Go. Ранее Мадонна анонсировала выход нового альбома Мадам Икс. Также сообщалось о том, что Ани Лорак в новом клипе разочаровала поклонников. Новости от Корреспондент.net в Telegram. Подписывайтесь на наш канал https://t.me/korrespondentnet

    Korrespondent.net / 2 д. 1 ч. 15 мин. назад далее
  • Blackstar HT-5R Combo в интернет-магазине MUSIC STOREBlackstar HT-5R Combo в интернет-магазине MUSIC STORE

    Ламповый гитарный комбоусилитель Blackstar HT-5R по выгодной цене! Предложение действует, пока товар есть в наличии! Все предложения на сайте нашего партнера MUSIC STORE: https://www.musicstore.com/ru_RU/RUB/Blackstar-HT-5R-Combo-/art-GIT00214...

    GuitarPlayer.ru / 2 д. 2 ч. 50 мин. назад
  • Вера Брежнева спела о своих грехах в новой песнеВера Брежнева спела о своих грехах в новой песне

    Украинская певица Вера Брежнева выпустила новый трек под названием Я не святая. Ролик с аудио появилось на YouTube-канале Meladze Music. Песня представлена без видеоряда. На статической обложке изображена Вера Брежнева с объемными локонами. Певица поет, что не святая и знает свои грехи. Автором музыки к новой песне стал супруг Брежневой и продюсер 55-летний Константин Меладзе. Текст помогала писать украинская исполнительница и видеоблогер Jerry Heil. Накануне Вера Брежнева выпустила дуэтный клип Зла не держи. Также сообщалось, что в Сети показали, как изменилась Брежнева за 15 лет. Новости от Корреспондент.net в Telegram. Подписывайтесь на наш канал https://t.me/korrespondentnet

    Korrespondent.net / 2 д. 5 ч. 42 мин. назад далее
  • Лобода в образе скелета анонсировала новый трекЛобода в образе скелета анонсировала новый трек

    Украинская певица Светлана Лобода анонсировала выход трека Пуля-дура. Звезда опубликовала тизер к песне на своей странице в Instagram. В анимационном ролике Лобода в черной широкополой шляпе и полностью затемненной шеей и плечами "прикуривает" пулю от горящей розы. Цветок к губам певицы подносит "рука скелета". На картинке виден один глаз певицы, в котором изображен череп, а под глазом нарисованы скрещенные кости. Так певица анонсировала выход песни Пуля-дура. Лобода сообщила, что премьера состоится 19 апреля.         Посмотреть эту публикацию в Instagram                       Публикация от LOBODA (@lobodaofficial) 17 Апр 2019 в 12:13 PDT За два часа пост собрал больше 181 тысячи просмотров. Ранее Светлана Лобода показала пикантные селфи. Также сообщалось, что украинская певица Светлана Лобода восхитила поклонников фото в одном полотенце. Новости от Корреспондент.net в Telegram. Подписывайтесь на наш канал https://t.me/korrespondentnet

    Korrespondent.net / 3 д. 3 ч. 6 мин. назад далее
  • +1: Amazon может запустить собственный бесплатный музыкальный стриминг+1: Amazon может запустить собственный бесплатный музыкальный стриминг

    Запуск еще одного потокового сервиса может состояться в самое ближайшее время

    PromoDJ.ru / 3 д. 3 ч. 50 мин. назад
  • Немецкая премьера оперы Бенджамина/Кримпа «Уроки любви и жестокости»Немецкая премьера оперы Бенджамина/Кримпа «Уроки любви и жестокости»

    Мировая премьера оперы английского композитора Джорджа Бенджамина «Уроки любви и жестокости», создававшейся в соавторстве c драматургом Мартином Кримпом, состоялась 10 мая 2018 в Ковент-Гардене; немецкая премьера прошла 7 апреля 2019 года в Гамбурге под управлением Кента Нагано. Позже спектакль будет показан в Амстердаме, Лионе, Чикаго, Барселоне и Мадриде. Сюжет основан на пьесе Кристофера Марло (1564-1593) «Эдвард II». Марло «спрессовал» и художественно осмыслил следующие исторические события: роман английского короля Эдварда II с Пирсом Гавестоном, убитым в 1312 году в этой связи недовольными баронами; свержение Эдварда II в результате восстания, поднятого его женой Изабеллой Французской и её любовником лордом Роджером Мортимером, убийство короля в замке Беркли (1327); казнь Мортимера по приказу юного Эдварда III (1330). Более развёрнуто, чем у Марло, эти кровавые перепитии представлены в романе Мориса Дрюона «Французская волчица» из серии «Проклятые короли». В постановке Кэти Митчелл персонажи любят и умирают в синей королевской спальне среди безмолвно снующих вокруг строго одетых придворных. Корону в стеклянной коробке привозят и увозят на специальной тележке. За всеми действиями взрослых постоянно наблюдают юные принц и принцесса (Оушен Баррингтон-Кук, роль без слов). Спектакль идёт полтора часа без перерыва и состоит из семи картин. Дети получают шесть уроков и в конце применяют полученные знания на практике: грубо поднимают из постели королеву и у неё на глазах готовятся самолично пристрелить Мортимера (в этот момент опускается занавес). Американский бас-баритон Эван Хьюз в партии короля был вокально хорош и сценически элегантен — эксцентричный английский джентельмен. По ходу действия его герой так ничего толком и не выучил – остался ослеплённым и всецело поглощённым своими чувствами к лишенному внутреннего благородства Гавестону (румынский баритон Дьюла Орендт), которого увидел и на смертном одре в своём убийце. Мортимер (Питер Хоар) — «серый» бюрократ, оправдывающий свою жажду власти рациональными аргументами; позже он унижает короля тем же способом, каким ранее сам был унижен. На глазах у принца лорд приказывает удавить сумасшедшего, утверждающего, что он — король, хотя принц и просит не делать этого, уверяя, что безумец не опасен. Аргументируя своё желание свергнуть короля, Мортимер показывает королеве страдания простых людей, к которым она остаётся, однако, глуха, и зачем-то играет на глазах у нищих роль Клеопатры, растворяя жемчуг в уксусе. Помимо детей, полученные на уроках знания меняют только Изабель (она раскачивается на тонких каблуках, почти всегда со стаканом в руке, иногда с сигаретой). В конце юный король собирается показать матери представление – точно как в «Гамлете», убийство короля женой и любовником. Этот маленький спектакль предваряет следующий диалог: «Изабель: Что там за занавесом? Молодой король: Что бы ты хотела увидеть за занавесом, мама? Изабель: О, низко висящую над землёй летнюю луну. Твоего отца – мою невиновность. Молодой король: Мой отец мёртв. По обе стороны этого занавеса, мама, мы виновны». Высокий красивый тенор Сэмюэля Бодена здесь и всегда погружал в необычную, очень британскую атмосферу. Постановки современных опер приятны тем, что в них, как правило, нет «раскола» между партитурой и сценическим действием, ставшего привычным в режиссёрских интерпретациях классических произведений. Так и оперу Бенджамина/Кримпа трудно представить себе в другом сценическом преломлении: Кэти Митчелл сделала всё, практически, безукоризненно. Работа над спектаклем началась ещё тогда, когда партитура не была полностью закончена; композитор, драматург и режиссёр трудились в тесном содружестве. В итоге спектакль получился очень цельным, сделанным с большим вкусом, драматургически плавным и тонким. Митчелл действительно показала, насколько глубоки и сложны чувства, соединяющие и разрушающие всех этих людей. Но я, к сожалению, не слишком подходящая слушательница для опер подобного рода. Сопрано Джорджия Ярман, утонченно выступившая в партии королевы Изабель, даёт музыке Бенджамена такую оценку: «Когда я впервые услышала ... „Уроки любви и жестокости“ в исполнении оркестра Королевской оперы, то почти вскочила с места! Палитра такая богатая, фактура такая неожиданная. В обеих его операх, в которых я пела, присутствует своеобразного рода подавленная интенсивность, бродящая, не выходя на поверхность, но в конце прорывающаяся со всей страстью. Медленное, с нарастающей интенсивностью мастерское разворачивание музыкальной структуры опьяняет». Критик из NDR (Северонемецкое радиовещание) нашёл звучание «фантастическим»: «Бенджамин находит всегда новые сочетания красок, которые Нагано и Филармонический государственный оркестр Гамбурга наносят тонкой кистью». Для меня интересен контраст между этими восторженными отзывами, сообщениями об успехе премьеры и сонной томительной атмосферой в зале. Диссонансы; выходящие на передний план кларнеты, фаготы и тромбоны; конечно, отголоски оперной музыки Бриттена, а также «голубые» печальные оттенки «Пеллеаса» Дебюсси; отдельные интереснейшие моменты, красивые интермеццо; большое разнообразие необычных ударных инструментов, создающих тревожную атмосферу – цимбалы, кастаньеты, пишут, есть латиноамериканские гуиро и иранский томбак; формально – богатство; фактически – зачастую, монотонность, преодолеть ощущение которой может, пожалуй, усиленное интеллектуальное восприятие. По сторонам от меня два немецких деда в галстуках-бабочках словно соревновались друг с другом то ли в том, кто быстрее, зевая, вывихнет челюсть, то ли в том, кто крепче уснёт. Фото: Форстер

    Belcanto.ru / 3 д. 5 ч. 11 мин. назад далее
  • Фото: SECTORIAL, BURSHTYN, MUTANTER, IMPALED NAZARENE, ASPHYX в КиевеФото: SECTORIAL, BURSHTYN, MUTANTER, IMPALED NAZARENE, ASPHYX в Киеве

    (с) фото Юлия Мархевка. Фестивальные впечатления тут.

    Hitkiller.com / 3 д. 16 ч. 6 мин. назад
  • Киев в огне. Препати фестиваля «Metal East Нове Коло»Киев в огне. Препати фестиваля «Metal East Нове Коло»

    То были насыщенные выходные: гостеприимный и, как всегда, обильный Киев, походы по злачным местам и по горам, а также, — главное — фестиваль «Metal East Нове Коло», часть первая, столичная, состоявшаяся в клубе «Бинго». Я была в нем впервые, и площадка понравилась. В целом — как «Репаблик», только чуть интересней по сидячим местам и расположению бара (про цены и качество пива, наверно, говорить и не нужно). Также клуб удобней для музыкантов: несколько полноценных гримерок за сценой, собственные сортиры, два выхода и, в общем, больше шансов для маневра, если, например, нет желания общаться с благодарными фэнами. Чем в нашем случае хэдлайнеры вовсе не пользовались — а, напротив, с готовностью ходили в народ, выпивали и безобразничали. Но об этом — чуть позже. SECTORIAL А пока — момент неприятный. Несмотря ни на раскрученный статус феста, ни на активную рекламную кампанию, ни на наличие уважаемых коллективов в хэдах, а также ценник в 700 гривен за билет, людей на фест собралось преступно мало. Человек в наивысшей точке, наверное, триста — включая небольшую команду минчан, а также обширную харьковскую группу поддержки BURSHTYN, по следам которой, как стая гиен, следовала антифа-свора, что привело к ряду разборок за задворками мероприятия. В клубе тусили музыканты М8Л8ТХ, мужики из DARK FUNERAL, активный, шумный, округлившийся с годами, но все такой же видный Виктор «Flying» Озолин — в общем, за пределами зрительного зала временами (особенно в процессе meet-n-greet) было даже интереснее, чем внутри. SECTORIAL Впрочем, разноплановый состав фестиваля также не оставил места для скуки: по сути, чуть «мимо» прошла лишь первая группа, SECTORIAL. Людей было совсем мало, звук как-то расфокусирован, и, несмотря на экспрессивную подачу киевлян, представивших богатый мелодиями и «фишечками» (в том числе элементами фолка) черненый дэз-метал, выступление группы быстро забылось. Возможно, потому что вторыми были живописные молодцы из BURSHTYN — и с первых же нот лишили вечер не только томности, но и надежды на светлое будущее. BURSHTYN Стильная, монолитная банда — визуально, в своей красно-черной пафосной статности, и музыкально: плотный, густо напитанный мелодикой блэк, то гипнотически замедляющийся, то пламенно-хваткий, запускающий «коловоротом» танцпол, над которым колдует руками и зловеще вращает глазами плечистый, лысо-бородатый фронтмен. Сказала б, мол, одни из лучших в харьковском блэке — но ведь харьковский блэк никогда не подводит. Так что скажу просто: круто! Мощно, зрелищно, качественно-фирмово. MUTANTER За ними же последовал харьковский дэз — группа MUTANTER, начавшая (под названием LIMITED MUTANTER) бруталить еще в каких-то махровых 90-х, когда даже записывать ничего не было нужно: реви себе в микрофон да чеши-молоти со всей дури. В 2017-м команду реанимировали, нашли нового вокалиста, в 2018 выпустили дебютник The Limit — и теперь мужики, как умеют, выносят мозги забористым техничным дэзняком старой школы на больших и малых площадках страны. Поначалу, признаться, цепляло не сильно — однако чем дальше, тем, поддаваясь напору и фантазии точеных ритмических завихрений материала MUTANTER, хотелось их слушать еще и еще — причем, наверное, лучше даже в камерной обстановке, в наушниках, дома, чтобы оценить звуковую палитру во всем ее кровавом многообразии. Затем же настала череда двух олдовых хэдлайнерских сетов — и, решив разнообразить течение вечера, оргкомитет из Daily Metal сделал meet-n-greet с обеими группами. Так что радостные посетители сначала осаждали дружелюбный голландский дивизион ASPHYX, а потом, после выступления IMPALED NAZARENE, имели возможность наблюдать, как разрисованные Мика сотоварищи допивают все, что не допили на сцене. ASPHYX, высоченные, здоровенные (кроме более скромного размерами гитариста), были разговорчивы, улыбчивы и несколько помяты. Мартин выглядел так, как будто по пути в клуб попал в пчелиный рой — он же, по понятным причинам оказавшись в центре пристального внимания толпы, безостановочно что-то подписывал, улыбался в телефоны и объективы, отвечал на приветствия и комплименты. «О, блин, наконец-то девушка! — радостно констатировал он, когда я, дождавшись очереди, плюхнулась на стул рядом, — я уже думал, в Украине нет женщин!» «Я приехала из Беларуси». «Вот блин. Ну тоже неплохо!» Дальше, пообещав вломить от души дэз-метала, музыканты закончили раздачу слонов и разошлись: кто в зал, кто в гримерку, кто в сторону бара. IMPALED NAZARENE А на сцене тем временем стартовал беспредел. Бесовство во имя толченых копыт Люцифера. Гекатомба идолам панк-рока, дичь во имя дичи, моторпенис и стальная вагина — все вот это вот, орущее, чернушно-истошное, оголтело молотящее мимо нот, дурное, искреннее, нестареющее, пьяное и озорное, вне правил, вне игры, потому что «we are IMPALED NAZARENE and you are not, so fuck off». Мика, глупо разрисованный (как, знаете, получает на лицо первый заснувший на пьянке), постоянно плевался, делал похабные жесты, вываливал язык и изрыгал непристойности, честя собравшихся и одновременно заигрывая — призывая что-то орать, подпевать и, конечно же, подпивать. Что успешно проделывали на сцене и он сам, и инфернально размалеванный басист (в жизни, кстати, спокойнейший морщинистый дядечка с грустными добрыми глазами), и полуголый драммер, слишком пьяный, чтобы помнить, какой трек идет за каким. Было угарно, забавно, чудовищно и, не побоюсь сказать, жесточайше. И пускай по предконцертному интервью можно было подумать, будто кое-кто притих и остепенился. Выйдя выступать, старая horny-гвардия дала такого жару, концентрированного безумия и рок-н-ролла, что чертям в аду становилось тошно и завидно. Одним словом, 666 из десяти; истый, отмороженный кайф. «Do you want total war? Yes we want total war! Do you want fucking war? Yes we want fucking war!» — обезумев, скандировал потный зал. Ну а кому хотелось продолжить — далее финны вышли на мит-н-грит. Сначала только Мика, окруженный вдохновленной толпой (тоже, кстати, в большинстве своем в состоянии «в говнитуру») и поначалу пытавшийся отбиться от понасевших. «Ну че ты все время снимаешь? Хватит, блять, снимать!» Потом остальные — причем барабанщик к тому моменту уже в полном умате. Сидели и общались долго, в процессе потребляя литры спиртного, разливая его же, устраивая срач, борясь с кем-то на руках — в общем, в лучших традициях худших традиций. От Мики несло бухлишком и какой-то тошнотой, он веселился, хамил, вовлекался в дурацкие игры — и, в общем, трудно сказать, чем бы все завершилось, если б на сцену не вышли ASPHYX и сделали все, наконец, серьезно и жестко. ASPHYX Эта группа (ну т.е. Martin van Drunen плюс те, кто пришел в двухтысячных) тридцать лет несет черепастые рваные флаги олдскульного трушного дэза, прямолинейного и упрямо-несгибаемого, словно труп в леднике Эвереста, делая свое концертное дело ожесточенно и энергично, вписывая «Pages in Blood» в длинную историю убийственных выступлений. ASPHYX Видела я ASPHYX уже в третий раз, и теперь скажу точно: голландцы — все-таки гарантия крышесносного качества. Причем, выступая, безустанно колбасит вся группа — размахивая веером удивительных хайеров, делая эффектные стойки, совершая рокировки на сцене, зловеще ухмыляясь и разнося-разнося-разнося окружающее пространство в щепки и хлам. Убедительно! Мощно! Причем, есть ощущение, мужиков по-прежнему искренне прет; сей звуковой терроризм они творят от души, садистически наслаждаясь моментом и неизменно обращая зал в мош и слэм. Одним словом, финал фестиваля был убедителен — поставив, однако, не точку, а многоточие перед основным летним ивентом. На который уже скоро ждут всех!.. Благодарю оргкомитет фестивая и лично Сандру за проделанную работу и предоставленную аккредитацию, а также Юлию Мархевку за оперативный фоторепортаж, заценить который можно вот тут.

    Hitkiller.com / 3 д. 17 ч. 16 мин. назад далее
  • Смотрим клип ENTHRONED «Hosanna Satana»Смотрим клип ENTHRONED «Hosanna Satana»

    Группа ENTHRONED 7 июня выпускает альбом Cold Black Suns, в связи с чем презентовала видео на тему «Hosanna Satana».

    Hitkiller.com / 3 д. 19 ч. 13 мин. назад
  • Ани Лорак в новом клипе разочаровала поклонниковАни Лорак в новом клипе разочаровала поклонников

    Украинская певица Ани Лорак, долгое время проживающая на территории России, выпустила новый клип. Ролик на песню Я тебя ждала появился на официальных страницах певицы в Сети. Весь ролик снят на нескольких пустых локациях, в которых меняется освещение, и происходят различны световые эффекты. Сама звезда позирует в нескольких латексных нарядах: мини платье, боди, лосинах и топе. Многие поклонники Лорак остались разочарованные премьерой. Они не услышали ни хорошей музыки, ни текста, и не увидели "красивой картинки". Некоторые отметили, что новая премьера "опять ни о чем" и подчеркнули, что Лорак давно не исполняла хитов. Но другие фанаты поддержали певицу, назвав новую работу "криком души" так, как в ролике Лорак расплакалась. В последнее время звезда часто поддается критике. Ранее Ани Лорак в образе Клеопатры высмеяли в Сети. Также сообщалось, что в Сети высмеяли фото Ани Лорак с макаронами. Новости от Корреспондент.net в Telegram. Подписывайтесь на наш канал https://t.me/korrespondentnet

    Korrespondent.net / 3 д. 22 ч. 43 мин. назад далее
  • Тина Кароль шокировала фанов красными волосамиТина Кароль шокировала фанов красными волосами

    Известна украинская певица Тина Кароль появилась на телевидении с красными волосами. Снимками нового образа звезда поделилась на своей странице в Instagram. На фото Кароль позирует в черном мини-платье с геометрическим рисунком от theCOAT by Katya Silchenko. Образ звезда дополнила высокими серебристыми сапогами. Но всеобщее внимание привлекла прическа певицы. Звезда появилась с каре выше плеч, основа прически светлого цвета, а концы ровно окрашены в красный цвет. Cмотрите фотогалерею: Тина Кароль шокировала фанов красными волосами Некоторые поклонник пришли в шок, переспросив, не остригла ли звезда действительно свои волосы. Насколько известно, Кароль использовала парик для выступления.         Посмотреть эту публикацию в Instagram                       Публикация от Тина Кароль (@tinakarol_fantina) 15 Апр 2019 в 8:07 PDT Накануне Тина Кароль взбудоражила Сеть игривым бархатным платьем. Также сообщалось, что Тина Кароль ошеломила Сеть платьем за 340 000 грн. Новости от Корреспондент.net в Telegram. Подписывайтесь на наш канал https://t.me/korrespondentnet

    Korrespondent.net / 4 д. 1 ч. 9 мин. назад далее
  • Клип корейской группы BTS побил рекорд YouTubeКлип корейской группы BTS побил рекорд YouTube

    Новый клип южнокорейской группы BTS на песню Boy with Luv побил рекорд YouTube по просмотрам за первые сутки. Об этом сообщает Forbes. Ролик корейских исполнителей за первые 24 часа собрал 74,6 миллиона просмотров. Кроме того BTS установила рекорд YouTube по видео, быстрее всего набравших 100 млн просмотров. Такое количество ролик собрал менее чем за два дня. Что примечательно, оба рекорда, побитые BTS, ранее принадлежали другой южнокорейской группе Blackpink. Они были установлены всего неделей ранее. На текущий момент клип BTS собрал 140,8 миллиона просмотров и 8 миллионов лайков. Ранее страница герцогов Сассекских побила мировой рекорд в Instagram. Также сообщалось, что американец в 71 год простоял в планке 38 минут, установив мировой рекорд. Новости от Корреспондент.net в Telegram. Подписывайтесь на наш канал https://t.me/korrespondentnet

    Korrespondent.net / 4 д. 4 ч. 26 мин. назад далее
  • Посмотрите клип на совместный сингл Gesaffelstein и Фаррелла УильямсаПосмотрите клип на совместный сингл Gesaffelstein и Фаррелла Уильямса

    Премьера стильного и футуристичного видео на трек «Blast Off»

    PromoDJ.ru / 4 д. 5 ч. 18 мин. назад
  • VII Международный конкурс оперных артистов Галины ВишневскойVII Международный конкурс оперных артистов Галины Вишневской

    С 3 по 7 июня 2019 года в Москве пройдет VII Международный конкурс оперных артистов Галины Вишневской, который был основан великой русской певицей в 2006 году. Учредители конкурса – Министерство культуры Российской Федерации, Департамент культуры города Москвы и Центр оперного пения Галины Вишневской. Международный конкурс оперных артистов проводится в Москве каждые два года. В прошедших шести состязаниях приняли участие более тысячи двухсот молодых певцов из России, стран СНГ, Великобритании, Франции, Германии, Польши, Китая, Кореи, Монголии. Лауреаты и дипломанты конкурса с успехом выступают в крупнейших театрах России и мира. Заявки на участие в конкурсе принимаются по 1 мая 2019 года. В жюри VII Международного конкурса оперных артистов Галины Вишневской во главе с художественным руководителем Центра оперного пения Ольгой Ростропович войдут звезды мировой оперной сцены, руководители крупнейших оперных театров, фестивалей и артистических агентств. Жюри конкурса: • Ольга Ростропович – художественный руководитель Центра оперного пения Галины Вишневской (председатель жюри); • Аннетте Вебер – кастинг-директор Гамбургской государственной оперы; • Сэмюэл Гелбер – директор по художественному планированию Вашингтонской национальной оперы; • Долора Заджик – меццо-сопрано, художественный руководитель Академии молодых оперных певцов, педагог по вокалу; • Маквала Касрашвили – сопрано, помощник музыкального руководителя и главного дирижера Большого театра России, профессор; • Мигель Лерин – художественный руководитель Международного конкурса вокалистов имени Ф. Виньяса, руководитель оперного агентства Lerin Management; • Бадри Майсурадзе – тенор, художественный руководитель Тбилисского государственного театра оперы и балета имени З. Палиашвили; • Анна Мария Мео – генеральный директор Королевского театра в Парме; • Стефано Маццонис – художественный руководитель и генеральный директор Королевской оперы Валлонии; • Тобиас Хасан – директор оперной труппы Берлинской государственной оперы; • Себастьян Шварц – оперный менеджер, эксперт, педагог по вокалу; • Кристина Шеппельманн – художественный руководитель и генеральный директор театра «Лисеу» в Барселоне, художественный руководитель Оперного театра Сиэтла. Расписание конкурса: Центр оперного пения Галины Вишневской I тур: 3–4 июня (14.00) II тур: 5 июня (14.00) Московский музыкальный театр имени Станиславского и Немировича-Данченко III тур и торжественная церемония награждения лауреатов: 7 июня (18.00) (по информации пресс-службы Центра оперного пения Галины Вишневской)

    Belcanto.ru / 4 д. 5 ч. 23 мин. назад далее
  • Диалоги в тени сфинксаДиалоги в тени сфинкса

    На Приморской сцене Мариинского театра прошла премьера оперы Джузеппе Верди «Аида» в постановке Алексея Степанюка. От Москвы до самых до окраин Один из самых удаленных от центра России театров — Приморская сцена Мариинского театра, где художественным руководителем является Валерий Гергиев, отдалена географически, но никак не художественно. Это огромный современный театр, оснащенный самой современной техникой, он располагает тремя площадками — Большой и Малой сценами и Летней площадкой для проектов в формате опен-эйр. Оперный театр во Владивостоке стал одной из сцен Мариинского театра по поручению правительства РФ после того, как губернатор края В. Миклушевский обратился с такой просьбой к президенту страны В. Путину. Предложение передать театр оперы и балета Владивостока Мариинке было поддержано, и это основательно расширило творческие возможности приморского театра. Театр выиграл по многим направлениям, в том числе балетная труппа смогла регулярно гастролировать в Санкт-Петербурге, некоторые, особо значимые, спектакли Мариинки были перенесены во Владивосток, да и зрителей это, естественно, привлекло. Разумеется, когда Гергиев брал на себя ответственность руководством Приморской сценой, риски были, но они оправдались. Одна из причин того — грамотный менеджмент и верно подобранные кадры, которые, как известно, «решают всё». Сейчас Приморская сцена, получившая статус Приморского филиала Государственного академического Мариинского театра с 1 января 2016 года, — один из самых современных театров не только в России, но и в Азиатско-Тихоокеанском регионе. Это один из самых успешно развивающихся театральных коллективов России и всего региона с интересной, хорошо выстроенной афишей, современными, с отличной акустикой залами. А как бонус для публики — расположение на сопках с видом на Японское море. Одна из многочисленных фишек Приморской сцены — грандиозный фестиваль «Мариинский», он стал самым крупным проектом дальневосточного региона, который тоже стал возможен после передачи театра во Владивостоке Мариинке. В его программе были заявлены выдающиеся исполнители из России, стран АТР, Европы и Америки. Первый фестиваль прошел в 2016 году, через небольшой промежуток времени после того, как Валерий Гергиев взял театр во Владивостоке под свое крыло. Успех проекта был столь оглушительным, что фестиваль было принято решение сделать ежегодным. Оперная афиша театра включает в себя двенадцать названий. «У нас молодая, но очень творчески активная оперная труппа, ребята уже могут решать сложные задачи и с радостью это делают. Так было и с „Аидой“, эта опера — большое испытание для певцов, но наши ребята его выдержали», — рассказывает о недавней оперной премьере театра Лариса Дядькова, народная артистка России, художественный руководитель оперной труппы. Кстати, Дядькова — одна из лучших в истории российского театра исполнительниц партий Амнерис в «Аиде», эту партию она пела на лучших сценах мира. Большой зал театра — действительно большой, он вмещает более 1300 зрителей. Акустика зала заслуживает всяческих похвал. Естественно, что здесь выступает и художественный руководитель театра Валерий Гергиев, и другие выдающиеся музыканты — Денис Мацуев, Юрий Башмет, Леонидас Кавакос, Сергей Лейферкус и другие. Большой зал, где идут оперные спектакли, требует стиля «большой оперы», к сожалению, не столь частому сейчас, особенно на периферии. Но оперная труппа Приморской сцены может себе его позволить. И именно в стиле «большой оперы» и поставлена Алексеем Степанюком «Аида», эта премьера состоялась во Владивостоке на днях и стала событием, на которое уже невозможно достать билеты. Кстати, в свое время оперный театр во Владивостоке открывался спектаклем Алексея Степанюка «Евгений Онегин», и эта опера до сих пор идет с успехом на Приморской сцене. Диалоги о власти Алексей Степанюк решает спектакль как высокую трагедию — трагедию безжалостной власти, для которой человек — это «спичка, сломал и выбросил». Эти слова принадлежат известному террористу Борису Савенкову, но, к сожалению, оказываются злободневными во все времена. Еще один трагический вектор спектакля Степанюка — неразделенная любовь, изнуряющая, измучившая, иссушившая главную героиню Амнерис (Лаура Бустаманте). Неоспоримо, что художественный принцип Степанюка — говорить лишь о высоком, высвобождая смыслы от суетного и необязательного. Так происходит практически во всех его спектаклях. Режиссер тщательно и бережно относится и к партитуре, и к либретто, но при этом какими-то неуловимыми намеками умеет протянуть некий мостик к современности, давая зрителю возможность для определенных аллюзий. Потому что, как известно, в «прошедшем грядущее зреет». Механизмы власти, войны, в топку которой бросаются тысячи и миллионы бессловесных «спичек», существуют по одной схеме — подавления воли у человека. Масштабное зеркало сцены в оперном театре Владивостока — идеальное место для воплощения высокой трагедии. Режиссер сам стал автором и сценографии, и световой партитуры. Огромные колонны цвета состаренного золота, массивные и словно олицетворяющие власть, расположенные по обеим сторонам сцены, ряд ступеней и задник, на котором постоянно меняются видеопроекции. Это может быть культовая для культуры Египта фигура сфинкса и даже... кадры нацистского парада в сцене триумфа, когда возвращается победитель — Радамес (Мэргэн Санданов) с плененными эфиопами. Костюмы персонажей (художник по костюмам Варвара Евчук) выполнены в насыщенно-ярких тонах, характерных для ориентальной культуры, но в то же время они несколько нейтральны, что опять-таки расширяет временное пространство трагедии. С помощью видеопроекций режиссер словно на несколько секунд выключает нас из основного действия, давая своего рода подсказку: «Вспомните, чем в результате закончились эти триумфы победителей, вспомните, какую цену заплатило человечество за эти улыбки фюреров и дуче». К сожалению, человечество слишком быстро забывает эти жестокие уроки. И об этом тоже «Аида» на Приморской сцене. Режиссер в этом спектакле выступает в тандеме с дирижером Павлом Смелковым, который тонко чувствует трагическое звучание музыки Верди. Любопытно пластическое решение спектакля, когда позы артистов кордебалета напоминают росписи на египетских вазах, автор этого решения — хореограф и ассистент режиссера Илья Устьянцев. Режиссер тщательно проработал с каждым из солистов драматическую составляющую образов, и эта работа характерна для Степанюка, в результате даже небольшие партии получились выразительными и выпуклыми. Пример тому — Алексей Костюк в партии Гонца. Прочтение оперы Верди Алексеем Степанюком весьма неожиданно. Одним из главных фигур в его спектакле становится верховный жрец Рамфис (Евгений Плеханов). Достаточно загадочный персонаж, которому во многих постановках «Аиды» отведено чуть ли ни служебное место. Рамфис в спектакле Степанюка иной — это «серый кардинал», кукловод, который играет судьбами людей, и исполнитель этой партии с этой задачей прекрасно справляется. Режиссер делает весьма существенное, хотя и необычное предположение, что Рамфис — глава масонской ложи, отсюда на заднике сцены периодически возникают символы «великих каменщиков». Чего добивается Рамфис? Высшей власти, еще большего влияния или... любви Амнерис? Все возможно. Он разыгрывает рискованную комбинацию: посылает во главе войска Радамеса в надежде, что тот погибнет и погубит войска, тогда Амнерис лишится любимого. А дальше — сюжет мог развиваться, как угодно. Но Радамес возвращается с победой. Желание подчинения — от ближнего своего до целого народа, ведь любая война — это подчинение, — эта мысль тоже есть в спектакле Приморской сцены. Подчинение любой ценой — зачем, для чего? «Аида» Степанюка — это спектакль о конечности жизни, о том, что земной век наш так недлинен и туда, в мир иной, надо уходить легкими и простившими всех. Тогда и мы получим прощение от Него. Диалоги и монологи о любви Любовный треугольник в «Аиде» общеизвестен: Амнерис — Радамес — Аида (Алена Диянова). Две царские дочери, которые, если бы не война и не стоящий между ними мужчина, могли бы быть подругами. Они — равны по социальному статусу, но не равны по нынешнему положению — дочери царя и ее рабыни. И Диянова, и Бустаманте, наделенные отличными вокальными данными, красивые и темпераментные, — достойные соперницы. Именно как поединок равных и выстраивает их отношения режиссер. Но все же, хоть чуть-чуть, его симпатии на стороне Амнерис. Дочь царя Египта в исполнении этой партии Лаурой Бустаманте — горда, беззащитна в своем давящем положении нелюбимой, и коварна. Ее коварство — это способ защиты, оно сродни отчаянному крику Катерины Ивановны в «Братьях Карамазовых» Достоевского на суде, когда от оскорбленного чувства она обвиняет Митю. О, как любит Алексей Степанюк хоть немного ввести в свои спектакли эмоций и чувств почитаемого им Достоевского! А ведь никто, кроме Федора Михайловича, так точно не разгадал противоречивую женскую натуру, и его схемы применимы во все времена. Коварство Амнерис — это ее надрыв. Парадокс: рабыня счастливее госпожи, потому что любит и любима, почему ее выбирает Радамес (весьма интересно созданный Мэргэном Сандановым образ) — тайна сия велика есть. Любят, как известно, не за что, а вопреки. Если говорят за что, значит, не любят. Радамес любит жертвенно, и такую же жертву получает взамен. Он — пример того, как бесполезна и как быстро проходит земная суетная слава. И только любовь имеет цену на свете, именно в ней — отблеск божественной сущности, воспоминание об утерянном Рае. Финал спектакля Алексея Степанюка неожиданно светел: Радамес и Аида в некой условной пещере вдвоем, на них белые одежды с длинными и широкими рукавами, которые при взмахах рук напоминают крылья ангелов. За ними — безграничное звездное небо. Они одни, они любимы, уже никто и никогда их не потревожит. Они прощаются с землей и словно растворяются в облаках, в этой белой изменчивой бесконечности. Их голоса как будто сливаются с невидимым хором ангелов, окружающих их. А рядом стоит одинокая сильная и очень стильная женщина с тростью. На ней шляпка-таблетка и костюм, который был популярен в Доме Шанель перед войной. Она элегантна, собрана и одинока. Образ на все времена. Она бы хотела так же светло и чисто уйти в небеса, но нет. Час ее в этом мире еще не пробил, и ей, возможно, долго предстоит носить в душе свой персональный ад. Ее зовут Амнерис, она — дочь царя. У нее есть все, и у нее нет ничего. Она — «медь звенящая», потому что нет в ее жизни любви. Так бывает, к сожалению. Фото: пресс-служба Приморской сцены Мариинского театра

    Belcanto.ru / 4 д. 5 ч. 26 мин. назад далее
  • Бельканто априори…Бельканто априори…

    «Три королевы»: Марина Ребека снова в МосквеПервый оркестровый рецитал этой певицы из Латвии состоялся на той же самой площадке, что и нынешний: на сцене Концертного зала имени Чайковского. Это произошло в январе прошлого года по линии популярнейшего абонемента Московской филармонии. Второй концерт певицы в Москве прошел совсем недавно (8 апреля) в рамках VI Международного фестиваля вокальной музыки «Опера Априори». На этот раз тот же самый дирижер, что и был ранее, маэстро из Германии Михаэль Балке, встал за пульт Большого симфонического оркестра имени Чайковского. Оглядываясь назад, вспоминаешь, прежде всего, пеструю, лоскутную программу представленных тогда арий. Что-то убедило в них больше, что-то – меньше, но, в целом, первый московский визит исполнительницы оставил тогда вполне приятное, можно даже сказать, довольно фееричное впечатление. На сей же раз тематическая программа под названием «Три королевы» с прицелом на сцены и арии из так называемой «тюдоровской трилогии» Доницетти, под которой по умолчанию всегда традиционно подразумевают «Анну Болейн» (1830), «Марию Стюарт» (1835) и «Роберто Деверо» (1838), произвела впечатление, мягко говоря, более чем странное. В прошлый приезд Марины Ребеки в программе концерта из репертуара бельканто прозвучала лишь каватина Нормы из одноименной оперы Беллини, которую на этот раз мы услышали на бис. Уже тогда неровность и напористость вокальной линии в ней, что стилю бельканто явно несвойственно, озадачили и насладиться в полной мере нежнейшим и трепетным cantabile Беллини не дали. И всё же услышать тогда «Casta diva» в исполнении певицы впервые было интересно, однако со второго раза интерес как-то уже и пропал… Так что сомнения в выборе репертуара бельканто для нынешней программы возникли еще на этапе ее анонсирования. Но сомнения сомнениями, а ведь певица записала целый аудиодиск под названием «Spirito» с фрагментами из опер Беллини («Норма» и «Пират»), Доницетти («Анна Болейн» и «Мария Стюарт») и Спонтини («Весталка»), вышедший на лейбле «Prima Classic» в ноябре прошлого года – совсем недавно! Особый стиль музыки Спонтини от бельканто Беллини и Доницетти стоит, конечно же, особняком, но в первом приближении романтическое начало как раз и есть то, что их, несомненно, сближает. К слову, первым из двух бисов нынешнего вечера как раз и стала ария Джулии из второго акта «Весталки», правда, без медленного (довольно длинного) раздела «Toi, que j’implore avec effroi». Мы услышали следующую за ним весьма энергичную связку «Sur cet autel sacré … Impitoyables dieux!», спетую, опять же, чрезмерно напористо, с вокальными «накатами», с прерывистостью кантилены и «холодом» абсолютного равнодушия на сей раз на языке оригинала – французском (как это и записано на упомянутом выше CD). Выдержать всю программу в строгом серьезном ключе исполнителям не удалось, так как среди фрагментов из «Анны Болейн», «Марии Стюарт» и «Роберто Деверо» всё-таки затесалась увертюра к одной комической опере Доницетти – к «Дону Паскуале» (1842). Идя на любой оркестровый оперный рецитал любого исполнителя, мы, собственно, идем слушать певцов, вряд ли – оперные увертюры, неизбежные в концертах подобного рода как «заполнители времени». Впрочем, в качестве концертной пьесы даже увертюру к «Дону Паскуале» исполняют у нас не так часто, а уж увертюры к «Анне Болейн» и «Роберто Деверо», которые прозвучали в этот вечер, можно сказать, не исполняются у нас совсем. Так что именно с репертуарной точки зрения инструментальная часть программы предстала довольно интересной. Однако испытать радость музыкального удовольствия от исполнения оркестровых фрагментов оказалось сложно. Для того, чтобы картина была обратной, ни оркестр, ни дирижер сколько-нибудь заметных усилий не приложили: тонкое изящество этой лишь только на первый взгляд простой музыки ими так и не постигнуто. А ситуация с оркестровым вступлением к «Марии Стюарт», к которому практически нон-стоп «прилепили» выходную сцену титульной героини этой оперы, вообще комична, ибо это краткое вступление сходу перетекает во вступительный хор, и вычленение его в концерте как самостоятельный оркестровый номер просто нелепо по самóй сути! Но зато перед каждым из четырех заявленных в этот вечер вокальных фрагментов (по два в каждом отделении) в слушательской программке был «красиво» прописан и номер инструментальный: перед выходной сценой Марии Стюарт – то самое пресловутое вступление, а перед ее финальной сценой – увертюра к «Дону Паскуале» (причем эти блоки открывали каждое из отделений вечера). Финалом первого отделения стал блок из «Роберто Деверо» (увертюра и финальная сцена Елизаветы), а финалом второго – из «Анны Болейн» (увертюра и финальная сцена Анны). Безусловно, для репертуара отечественных концертных залов такая подборка вокальных фрагментов бельканто далеко не тривиальна, но при этом объективная сложность вычленения этих фрагментов из общей ткани оперы связана с тем, что в них щедро интегрированы и реплики других персонажей, и хор. Когда в программе всего одна певица-солистка, всё «лишнее» неизбежно приходится выбрасывать, но при этом состыковывать оставшееся, когда номер состоит из нескольких разделов, не всегда ведь удается музыкально гладко, поэтому, что петь, а что не петь, зависит лишь от волеизъявления самогó исполнителя, «договорившегося» с дирижером. На сей раз в условиях ограниченных возможностей концерта выходная сцена Марии Стюарт предстала оптимально полной (речитатив, каватина и кабалетта «Guarda: su’ prati appare … Oh, nube! Che lieve per l’aria ti aggiri … Nella pace del mesto riposo»), но финальная сцена Марии де-факто редуцировалась до финальной стретты «Ah! Se un giorno da queste ritorte», которая без сantabile главной героини «Di un cor che more reca il perdono», потеряв свою привязку, оторвалась и «повисла в воздухе». Пусть в опере две части номера разделены каскадом промежуточных реплик, эти две части составляют единое, неделимое целое, а финал без начала, увы, невольно превратился на этот раз в «неразогретый» полуфабрикат. Концертная конструкция финальной сцены Елизаветы «E Sara in questi orribili momenti … Vivi, ingrato, a lei d’accanto … Quel sangue versato al cielo s’innalza» из «Роберто Деверо», из которой между второй и третьей частями «лишнего» объективно исключено даже больше, чем из финала «Марии Стюарт», никаких вопросов не вызывает: «всё главное для пения» в ней сохранено. То же – и в конструкции финала Анны «Piangete voi? Donde tal pianto? … Al dolce guidami castel natio … Coppia iniqua, l’estrema vendetta» из «Анны Болейн». Вопросы вызывают лишь напористо-зычный, неровный, интонационно открытый стиль «холодной», пронзительно резкой вокализации: то, что мы услышали в Москве в Концертном зале имени Чайковского, со стилем бельканто имело мало общего… Из услышанного в аудиодиск «Spirito» не вошли лишь только фрагменты из «Роберто Деверо», а при студийной (неконцертной) записи этого диска в зрительном зале театра «Массимо» в Палермо, который и был превращен в студию, в распоряжении певицы значился не только оркестр, но и хор этого театра (дирижер – Ядер Биньямини). Так что в записи при хоровой поддержке дело обстоит куда «веселее»! Да и сами саундтреки диска, акустически «умащенные», смикшированные, идеально сведенные по последнему слову звукозаписи XXI века, слушаются намного «веселее», чем на концерте вживую! Специфика подобного рода записей всегда состоит в том, что любую неточность, ведь певцы – тоже живые люди, всегда можно поправить, перепеть заново, при необходимости переделать то, что, возможно, при прослушивании не удовлетворило самого исполнителя или, к примеру, дирижера. Искусство звукозаписи – тоже искусство, даже когда речь идет о записи живого спектакля («перепеть» его, конечно, нельзя, но «окутать» саундтрек аурой благородной эффектности технически можно). Поистине фееричное впечатление произвел кинопоказ в записи «Дон Жуана» Моцарта из нью-йоркского театра «Метрополитен-опера» (2011). Он приурочен к нынешнему визиту Марины Ребеки и состоялся при содействии Арт-объединения «CoolConnections» 6 апреля в кинотеатре «Иллюзион». В подчеркнуто классической постановке британца Майкла Грэндэйджа певица предстала изумительной Донной Анной – музыкально роскошной, инструментально точной, артистически яркой! В качестве бонуса перед киносеансом публику пригласили на творческую встречу с ней, но главными, понятно, стали живые впечатления от концерта. Они-то и убедили в том, что на сегодняшний день стадию «производства бельканто» голос певицы просто миновал. К этому рецензента упорно подводил и весь ее путь на Россиниевском фестивале в Пезаро, о чём речь шла в прошлый приезд артистки. Нынешний концерт, хотя и вызвал большой интерес, вокальным откровением не стал. Бельканто – субстанция весьма прихотливая, а мировой клуб его истинных «медиумов» элитарен, но порой членство в нём завершается, и продлить его аудиодиском «Spirito», как ни крути, вряд ли уже возможно… Фото Ирины Шымчак

    Belcanto.ru / 4 д. 5 ч. 27 мин. назад далее
  • Шаманов вызывали? NYTT LAND, HARMONIX COLLEGE, SYNAXARIA в «Брюгге»Шаманов вызывали? NYTT LAND, HARMONIX COLLEGE, SYNAXARIA в «Брюгге»

    «From the heart of Siberia», — пишут о себе NYTT LAND, пропитавшие северный воздух смоляным дымом шаманских костров и пением рогатых птиц; смешавшие болотные запахи с трансово-монотонными ритмами, пульсирующим фантомным светом, женскими вскриками-заговорами-заклинаниями и будоражаще низким горловым пением Анатолия «Shaman» Пахаленко. NYTT LAND — костюмированный ритуал с аутентичными инструментами и «природной» подложкой, изливающейся из аутентичного ноута с пылающим яблочком. (с) фото Siarhei «petrowitch» Hahulin. Изморозь на босых замерзших ногах, пепел жженых рун и возможность, расслабившись, погрузиться в свое подсознательно-блаженно-мистическое. NYTT LAND — колоритная группа, положившая мотивы «Старшей Эдды» на традиционные вокальные приемы и техники народов Сибири: необычайно гибкий, переливчатый, парящий голос Натальи еще долго звенит в подсознании, когда уходишь из зала. Словно бы напоминая о важном и древнем. О том, чего, возможно, не понял — но ощутил, закрыв глаза и отдавшись таинству вечера. В общем, если «штырят» WARDRUNA и HEILUNG, это группа для вас. Или если вдруг срочно надо, чтоб вштырило. Людей собралось мало (все-таки понедельник), но дожившие, пропустившие сквозь себя свет сибирского сверхъестественного, уходили с видом одухотворенным. Было захватывающе и необычно — и, кажется, достойную партию по сцене на вечер могли б играть PRAGNAVIT… но вот нет. Существует риск, что двух шаманов одновременно «Брюгге» бы просто не выдержал, провалившись со всеми присутствующими в потустороннюю бездну. Поэтому в качестве местного суппорта выступали группы нетематические, разностилевые и, в случае с SYNAXARIA, вообще не понять, какому миру и тусовке принадлежащие. SYNAXARIA — романтический коллектив имени 14 февраля в томном зале, при свечах и с бокалом шампанского. Дамы приглашают кавалеров, дамы в вечернем, кавалеры в жабо. Вокальный дуэт: чистый мужской + женский, немного экстремальных мужских, несколько наивная (как все сентиментальное), но милая музыка в стиле романтик коллекшн хардрок, под которую хочется вальсировать и грустить, звонить бывшим или позвать в танец будущих. Совершенно не мое, но… уж что ж. Играть ребята умеют, а любить или нет — дело личное. Зато HARMONIX COLLEGE легли на душу легко и приятно, разлив по периметру клуба космические сияния инструментально-выразительного пост-рока. Этой ночью, добираясь домой в поезде, отвлекаясь от звуков слоняющихся туда-сюда пассажиров, я как раз-таки засыпала под IF THESE TREES COULD TALK и ROSETTA. Так что HARMONIX COLLEGE, по сути, продолжили ряд — те же всполохи фонарей, тот же путь в непроглядности, в перекличке шпал и небесных светил. Замечательная, экспрессивная, сочная музыка, с динамичной подачей, словно парни, увлекшись, транслируют звуки не инструментами, но каждым мускулом, клеткой кожи и нервов. Наблюдая HARMONIX COLLEGE вживую, недоумеваешь: ну вот, граждане, набивающиеся битком на приезд «астронавтов», где ж вы все? Почему же не здесь? Эта группа достойна обширных площадок — осталось лишь научиться куда-то девать себя между песнями (сбивчивые неловкие реплики, как сейчас, увы, никуда не годятся), и, я считаю, она очарует любого. Ну а ежели вдруг не получатся, следом двинутся шаманские силы…

    Hitkiller.com / 4 д. 14 ч. 32 мин. назад далее
  • У The Chemical Brothers вышел новый альбом «No Geography» и «Essential Mix». Слушаем и обсуждаемУ The Chemical Brothers вышел новый альбом «No Geography» и «Essential Mix». Слушаем и обсуждаем

    Плеер: девятый студийный альбом The Chemical Brothers и запись свежего выпуска «Essential Mix»

    PromoDJ.ru / 4 д. 21 ч. 15 мин. назад
  • Alyona Alyona и Алина Паш выпустили клип ПадлоAlyona Alyona и Алина Паш выпустили клип Падло

    Рэперша Alyona Alyona совместно с хип-хоп исполнительницей Алиной Паш выпустили клип на трек Падло. Ролик появился на официальном YouTube-канале Алены Савраненко. Песня вошла в дебютный альбом певицы Alyona Alyona. В ролике певицы престают в образах колдуний с черными рисунками на подбородках, необычными костюмами и аксессуарами, длинными ногтями. Клип является некой этно-фантасмагорией с использованием пасхального яйц колючевым элементом ролика. Режиссером видео стал француз Натан Дэйзи. По словам клипмейкера, приблизительно так он представляет будущее – это "что-то вроде страшной сказки, в которой есть нечто, что мы обязательно должны понять для себя". Закадровый текст читала Народная артистка Украины Нина Матвиенко. Для Alyona Alyona - это первый опыт сложных постановочных съемок. Хотя накануне рэперша Alyona Alyona выпустила дебютный альбом. Также сообщалось о том, что Alyona Alyona дала интервью Vogue World. Новости от Корреспондент.net в Telegram. Подписывайтесь на наш канал https://t.me/korrespondentnet

    Korrespondent.net / 4 д. 22 ч. 15 мин. назад далее
  • Пугачева за свою карьеру заработала $100 млн – СМИПугачева за свою карьеру заработала $100 млн – СМИ

    За все годы своей карьеры советская и российская певица Алла Пугачева скопила состояние в 100 миллионам долларов. Об этом сообщает Слово и Дело со ссылкой на журнал Forbes. Отмечается, что большая часть состояния певицы вложено в недвижимость. Она владеет собственными "метрами" в центре Москвы: на Тверской, Арбате и в Филипповском переулке. Кроме того, в Одинцовском районе Московской области у Пугачевой есть собственный замок, а в Подмосковье дача площадью 1000 метров на участке 50 соток. Один только замок эксперты оценивают в 12 миллионов долларов. Совместно с мужем Максимом Галкиным Примадонна купала недвижимость на Кипре. Ранее в Сети опубликовали запрещенный клип Пугачевой. Ролик появился в оригинальном качестве в честь 70-летия певицы. Также сообщалось, что Пугачева произвела фурор на "празднике весны". Новости от Корреспондент.net в Telegram. Подписывайтесь на наш канал https://t.me/korrespondentnet

    Korrespondent.net / 4 д. 23 ч. 47 мин. назад далее
  • Мадонна анонсировала новый альбом Мадам ИксМадонна анонсировала новый альбом Мадам Икс

    Популярная певица Мадонна рассказала о выходе нового альбома. Сделала это звезда с помощью красочного ролика, который появился на официальном канале исполнительницы в YouTube. В ролике Мадонна появляется в нескольких неожиданных образах, демонстрируя многогранность Мадам Икс. Певица предстает с фатой, с черной повязкой на глазу, в черном одеянии монахини, с длинными и короткими волосами разных цветов. В самом ролике говориться, что Madame X - это секретный агент, путешествующий по миру и меняющий личности. Она "борется за свободу и приносит свет в темноту. Она инструктор по танцам, профессор, глава государства, домохозяйка, наездница, заключенная, студентка, учительница, монашка, певица кабаре, святая, шлюха". Когда именно появится новый альбом Мадонны пока неизвестно. Ранее интимное ретро фото Мадонны стало хитом Сети. Также сообщалось, что Мадонна выступит на Евровидении за миллион долларов. Новости от Корреспондент.net в Telegram. Подписывайтесь на наш канал https://t.me/korrespondentnet

    Korrespondent.net / 5 д. 0 ч. 56 мин. назад далее
  • В Сети опубликовали запрещенный клип ПугачевойВ Сети опубликовали запрещенный клип Пугачевой

    В Сети появился клип Аллы Пугачевой на песню Айсберг в оригинальном качестве. Он размещен на YouTube-канале ГОСТЕЛЕРАДИОФОНД России. Ролик опубликовали в честь 70-летия Примадонны. Ранее в Сети можно было найти этот клип только в "записи с телевизора". После премьеры клипа в 1984 году его посчитали слишком вульгарным и запретили пускать в эфир. Чуть позже его все же вернули в эфир. В клипе певица переворачивается на спину, что и стало причиной его запрета. В ролике Пугачеву везет на санях некий человек, в конце оказывается, что это сама Примадонна. Накануне фото Пугачевой на обложке глянца напугало Сеть. Также сообщалось, что в Сети обсуждают видео с танцующей Пугачевой. Новости от Корреспондент.net в Telegram. Подписывайтесь на наш канал https://t.me/korrespondentnet

    Korrespondent.net / 5 д. 3 ч. 45 мин. назад далее
  • Встречайте! Новая странная супергруппа TRONOSВстречайте! Новая странная супергруппа TRONOS

    Shane Embury никогда не умел сидеть ровно и играть что-то одно. NAPALM DEATH? Мало! Дайте BRUJERIA. LOCK UP. VENOMOUS CONCEPT. И еще десяток до кучи. На днях вышел альбом очередного проекта с его участием: Celestial Mechanics, дебютник группы TRONOS, в которой также задействованы британский метал-продюсер Russ Russell и драммер Dirk Verbeuren (THE PROJECT HATE MCMXCIX, ex-ABORTED, ex-SOILWORK и т.д.) А ударились они в сладжевый авангард. В течение нескольких недель группа выкладывала в Сеть по треку — и фанаты, соревнуясь в ассоциациях, сбивались с пути. Где-то тут проходил VOIVOD (недаром в одной из тем поет Denis «Snake» Belanger); где-то чудится индустриальная поступь GODFLESH; где-то — заезды в неровные края DODHEIMSGARD. В общем, происходит много всего и сразу, и если вам вдруг интересно, как может выглядеть шизоидный прогрессивно-думовый сладж от Шэйна и мужика, который продюсирует DIMMU BORGIR, то вот же оно.

    Hitkiller.com / 5 д. 4 ч. назад далее
  • Полуголая Джей Ло верхом на рояле покорила СетьПолуголая Джей Ло "верхом" на рояле покорила Сеть

    Популярная певица Дженнифер Лопес взбудоражила Сеть откровенной позой "верхом" на рояле. Снимок звезда опубликовала на своей странице в Instagram. На фото Джей Ло одета в белый купальник с очень глубоким декольте, и откровенным низом. Певица надела колготы в стразах и прозрачные туфли на огромных каблуках с высокой платформой.  Волосы звезды собраны в высокий хвост и зафиксированы блестящей резинкой. Также Лопес дополнила образ массивным колье и сережками. Певица сексуально лежит на крышке рояля, демонстрируя длинные ноги и обнаженные бедра. Певица страстно смотрит в камеру.          Посмотреть эту публикацию в Instagram                       Публикация от Jennifer Lopez (@jlo) 14 Апр 2019 в 11:06 PDT За несколько часов снимок собрал больше 1,1 миллиона лайков. В комментарии к фото Лопес написала – "Я слышала зима близко", намекая на фразу из сериала Игра престолов. Накануне Дженнифер Лопес выпустила новый клип Medicine. Также сообщалось о том, что сеть восторгается стройной фигурой Дженнифер Лопес. Новости от Корреспондент.net в Telegram. Подписывайтесь на наш канал https://t.me/korrespondentnet

    Korrespondent.net / 5 д. 5 ч. 27 мин. назад далее
  • Пещерные люди. Артемий Троицкий уважает простые звукиПещерные люди. Артемий Троицкий уважает простые звуки

    Хедлайнеры сто девятого выпуска программы "Музыка на Свободе"​ – исполнители "гаражного рока" из Новой Зеландии, таких вы еще не слышали. Рок-критик Артемий Троицкий свидетельствует, что он уважает не только сложные, но и простые ритмы, если они громкие и энергичные. ​ Раньше было принято подчёркивать, что, начавшись с весьма примитивных "трёх аккордов", рок-музыка совершила головокружительную эволюцию, абсорбировав элементы джаза, классики, электроники/авангарда, всевозможных этнических традиций и так далее; породила "концептуальные альбомы", рок-оперы и прочие опусы престижного характера. Фаза интенсивной экспансии продлилась два десятилетия, пока не наступил первый период реакции – панк-рок. У панков, помимо политического нигилизма и антисоциального поведения, существовала и чисто музыкальная мотивация: возврат к "уличным" корням рока в противовес усложнённым "консерваторским" потугам. Однако быстрый, грязный и примитивный панк быстро перерос в постпанк и "новую волну", а это снова были эксперименты – более брутальные и лаконичные, чем "прогрессивный рок" конца 60-х – начала 70-х, но тем не менее... В 90-е годы негласное противостояние "прогрессистов" и "примитивистов" продолжилось: первые исповедовали построк; вторые грандж и брит-поп.  В XXI веке идеологические разногласия рокеров потеряли остроту: новые стили и направления перестали возникать, появились очевидные цвета ретро. А если рокеры теперь черпают вдохновение в прошлом, далёком или не очень, то не имеет принципиального значения, ретроград ты или новатор – всё это уже было... Мне, и как профессионалу, и как любителю рока, эта ситуация чем-то даже нравится: она позволяет со спокойным сердцем и чистой совестью отбросить музыкальные сегменты, которые тебе совершенно не нравятся (в моём случае это почти все разновидности "металлического" рока) или оставляют равнодушным. При этом мои пристрастия странным образом не застыли на одном фланге, как у многих моих друзей-меломанов, а расползлись по всему спектру – от дикого молодёжного до изысканно интеллектуального. Можете считать это длинное историческое вступление своего рода оправданием выбора  сегодняшних героев – новозеландской панк-гараж-группы The Cavemen. "Пещерные люди" с композицией "Малолетний преступник" Рассказывая недавно о швейцарском рекорд-лейбле Voodoo Rhythm, я подивился тому, что нередко самые экстремальные музыкальные нравы процветают в самых спокойных и благополучных странах. Квартет "Пещерных" из новозеландского Окленда – ещё один тому пример. Трудно сказать, что могло до такой степени разъярить четырёх белых парней из благополучных семей в богатой и красивой стране в дальнем уголке Южного полушария. Наверное, именно это: слишком там всё хорошо и тихо... Пол (голос), Джек (гитара), Ник (бас) и Джейк (барабаны) покой нарушили, и за десятилетие творчества, начиная с 2008 года,  создали себе максимально скандальную репутацию. Беспредел на концертах в сочетании с пьянством и вандализмом на сцене привели к тому, что молодому коллективу отказали в ангажементе местные клубы, и даже упоминать The Cavemen в разговорах, как сказано в пресс-релизе группы, стало в Новой Зеландии признаком дурного тона. Отщепенцам не оставалось ничего другого, как перебраться жить и трудиться в Лондон. Здесь они быстро нашли единомышленников по музыкальному каменному веку. "Пещерные люди" с композицией "Я ненавижу искусство" Личную и общественную позицию лирического героя "Пещерных людей" точно передают названия песен этой группы: "Трахнутый в голову", "Дайте мне пива или убейте!", "Надеюсь, на меня сбросят бомбу" и так далее. Даже песня, так сказать, "про любовь" называется "Беби из Чернобыля"... Это можно квалифицировать как "панковский" подход. "Пещерные люди" с композицией "Мертвый для меня" В музыкальном отношении The Cavemen не так прямолинейны и довольно затейливы (за что я их и полюбил): напор панка органично уживается у них с "гаражными" гармониями и психоделией 60-х. Попадаются даже отчаянные "медляки". С живыми (слишком живыми?) выступлениями, правда, снова проблема: несмотря на новый рекординг-контракт и успех синглов "Пёс на цепи" и "Жизнь на дне", гастролей у The Cavemen в ближайшее время не предвидится. Видимо, хозяева залов научены горьким опытом... Да, на то они и "пещерные", чтобы не остепеняться.  Плей-лист программы "Музыка на Свободе" (выпуск 109): 1. U.S.Girls (Canada/USA). Velvet 4 Sale, LP In a Poem Unlimited  2. Strom Stinu & Bucinatores Orchestra (Czecch Republic). Zima, LP Strom  Stinu a Bucinatores orchestra  3. Leila Gobi (Mali). Wai hidjou, LP 2017 4. Mose (Germany). Der Mythos des Sisyphos, LP Film musik  5. The Cavemen (New Zealand). Juvenile Delinquent, LP The Cavemen 6. The Cavemen (New Zealand). I Hate Art, LP Born to Hate 7. The Cavemen (New Zealand). Dead to me, LP Born to Hate 8. The Cavemen (New Zealand). Chernobyl Baby, LP Nuke Earth 9. The Cavemen (New Zealand). Batshit Crazy, LP Nuke Earth 10. Hydras Dream (Sweden). Hypothermia, LP The Little Match Girl  11. Gizmodrome (Italy/UK/USA). Amaka Pipa, LP Gizmodrome  12. Circuit des Yeux (USA). Brainshift, LP Reaching for Indigo  13. The Third Eye Foundation (UK/France). The Blasted Tower, LP Wake the Dead  14. Dikanda (Poland). Cos mnia gna, LP Devla Devla

    Радио Свобода / 6 д. 9 ч. 23 мин. назад далее
  • Трехкратный чемпион DMC DJ Craze: «Пользуйся функцией Sync. Прими технологии»Трехкратный чемпион DMC DJ Craze: «Пользуйся функцией Sync. Прими технологии»

    Победитель диджейских соревнований и мастер скретча развязал новый виток дебатов о функциях и роли диджея

    PromoDJ.ru / 8 д. 0 ч. 20 мин. назад
  • В галактике «Парсифаля» — новые звёзды!В галактике «Парсифаля» — новые звёзды!

    Мариинский театр и маэстро Гергиев зарядили Вагнером…В Большом зале нового комплекса «Зарядье» с момента его открытия в этом сезоне внимать ариям из опер под аккомпанемент оркестра рецензенту доводилось бесчисленное количество раз, но на концертном полнообъемном исполнении оперы удалось побывать лишь недавно. Вагнеровский «Парсифаль» (1882), три акта которого в общей сложности до четырех часов чистого звучания недобирают лишь нескольких минут, безусловно, – одно из фирменных дирижерских откровений Валерия Гергиева. Торжественная христианская мистерия Вагнера на его собственное либретто – романтически необъятное, пронзительно мощное и музыкально бесконечное в своей философичности духовное завещание человечеству, которое при каждом к нему обращении способно открывать всё новые и новые глубинные психологические пласты даже в абсолютно неромантическом XXI веке. Свою вагнериану в Мариинском театре маэстро Гергиев начал именно с «Парсифаля», сразу же задав высочайшую музыкальную планку, и премьера этой постановки 11 мая 1997 года (режиссер – британец Тони Палмер) стала для отечественных меломанов событием величайшей музыкально-художественной значимости, ведь это была российская премьера опуса Вагнера, услышать который в России и по сей день можно лишь в Мариинском театре. С момента премьеры прошло уже 22 (!) года, а в 2003 году постановка подверглась капитальному сценическому возобновлению (режиссер возобновления – Марина Мишук). Официальным артефактом, запечатлевшим это неординарное событие для истории, лишь стал снятый в том же году, но чуть позже, документальный (с элементами игрового кино) фильм Тони Палмера «В поисках Грааля» («The search for the Grail»). В его ткань оказались вплетены отдельные, специально отснятые без публики в зале, крупноплановые сцены спектакля Мариинского театра, а также натурные съемки. Однако если театральная премьера 1997 года опиралась исключительно на собственные вокальные силы труппы, то для съемок оперных сцен, вошедших в фильм, были привлечены и зарубежные солисты. Что ж, по своей основной специализации Тони Палмер – режиссер и сценарист кино, а театр, в том числе и музыкальный, можно условно назвать его «хобби», и в конце 90-х годов XX века в постановке «Парсифаля» оно дало результаты более чем впечатляющие и позитивные! Но его фильм – отнюдь не опера, а многослойное исследование средневековой легенды о «белом рыцаре» Парсифале и проблеме духовного поиска Святого Грааля, не только преломленное с музыкально-исторической, историко-культурной и гуманистско-эстетической точек зрения, но и жестко спроецированное на ужасающие контрасты жизни современного человечества – на социальные потрясения и трагедии, не прекращающиеся во всём мире, увы, и сегодня в XXI веке. «Рассказчиков» в фильме много, но главный из них – знаменитый испанец Пласидо Доминго (тогда еще тенор, а ныне уже баритон). В этом фильме он также предстает и оперным Парсифалем. Речь идет о сцене главного героя с Девушками-цветками и о дуэте с Кундри во втором акте, а также о соло в «финале-апофеозе» – оперном хеппи-энде, хотя старого короля рыцарей Титуреля и несчастную, двойственную по своей природе Кундри, со смертью обретшую покой и отпущение грехов, мы всё же теряем. А хеппи-энд связан с долгожданным обретением рыцарским братством Священного Копья (Копья Страстей). Этой реликвией «черный волшебник» Клингзор овладевает при помощи Кундри, им околдованной, и попустительстве короля Амфортаса, наследника Титуреля и хранителя Священных Даров. Парсифаль возвращает братству Копье, повергая царство Клингзора в прах и неся желанное исцеление Амфортасу. Копье, нанесшее ему вечно кровоточащую, незаживающую рану, приносит спасение, а сам Парсифаль становится новым королем рыцарей и очередным хранителем Святого Грааля. Отныне Священные дары – Чаша (Грааль) и Копье – вновь соединились под надежной защитой рыцарского братства… В оперных сценах фильма Тони Палмера компанию Доминго составили певица из Литвы Виолета Урмана (Кундри), всегда позиционировавшая себя как меццо, но с начала 2000-х перекочевавшая в сферу сопрано, финский бас Матти Салминен (Гурнеманц) и отечественные баритоны – солисты Мариинского театра Николай Путилин (Клингзор) и Федор Можаев (Амфортас). Естественно, что в съемках были также задействованы хор и оркестр Мариинского театра, а за дирижерским пультом проекта и на этот раз находился Валерий Гергиев, инициатор и музыкальный вдохновитель премьеры торжественной сценической мистерии Вагнера в России. Пересмотреть оперные кадры этого фильма в преддверии нынешнего концертного исполнения «Парсифаля» оркестром, хором и солистами Мариинского театра во главе с маэстро Гергиевым, которое внезапно, как снег на голову, свалилось в афишу «Зарядья» на 4 апреля этого года, было, конечно же, весьма приятно и здóрово, тем более что в рамках фестиваля «Звёзды белых ночей» 1998 года второй акт «Парсифаля» при участии Пласидо Доминго и Виолеты Урманы в концертном исполнении довелось услышать вживую. Однако память гораздо более сильно и цепко хранит всё же живые впечатления от спектакля, который рецензенту довелось увидеть трижды – на премьере и несколько позже по прошествии оной, а также на московских гастролях Мариинского театра в Большом театре России. Те памятные гастроли прошли весной всё того же 1998 года, то есть еще до означенного выше приезда Доминго в Петербург. В тот его приезд «разбегом» ко второму акту «Парсифаля» стал в первом отделении первый акт «Валькирии» Вагнера, в котором Зиглиндой Зигмунда-Доминго была знаменитая американская драмсопрано Дебора Войт. Прежде всего, память хранит упоительные впечатления об оркестре, который можно было бы слушать и слушать все четыре часа этой восхитительно тонкой, изысканной, но при этом акцентированно-рельефной чувственной медитации даже в отсутствии певцов! Оркестровые впечатления ото всех театральных исполнений прошлых лет и нынешнего концертного исполнения в «Зарядье» – заведомо разные, однако по-своему позитивно-оптимистичные. И связано это не с тем, что каждый раз играли принципиально по-разному, хотя и понятно, что каждое исполнение – что река, в которую нельзя войти дважды, а с тем, что акустические условия каждый раз были объективно разные. Для рецензента звучание вагнеровского оркестра Валерия Гергиева на Исторической сцене Мариинского театра (не только, кстати, на «Парсифале») всегда ассоциировалось с мягким на ощупь бархатом, обволакивающим слух плотностью, проникновенной теплотой и выпукло-филигранной рельефностью – с тем, что исполнительская традиция немецких или австрийских оркестров вряд ли предполагает. Но как же это было упоительно красиво и захватывающе! Напротив, в огромной акустической чаше Исторической сцены Большого театра теплота и «бархатная плотность» заметно редуцировались, а оркестровые краски стали более сухими, более отстраненными и романтически холодными. Практически та же самая чеканная, рациональная холодность, но уже с приобретенной яркостью и свежестью оркестрового посыла, явственно ощущалась и в акустике Большого зала комплекса «Зарядье», к которой меломаны только-только начинают примериваться и которую только-только начинают понимать. Звучание прекрасно доходило до сердца на тончайших piano, отчетливо и выразительно в плане нюансировки проявляло себя в оркестровых tutti, но это были совсем иные акустические ощущения, которые в музыке Вагнера несли и новую радость, и новое меломанское наслаждение, и новое, если хотите, человеческое утешение… Как «Парсифаль» стал первенцем в вагнериане Валерия Гергиева, так и полная запись «Парсифаля» на лейбле «Мариинский», выпущенная в 2010 году на основе исполнения в Концертном зале Мариинского театра в 2008 году, стала первым обращением этого лейбла к музыке Вагнера (Парсифаль – Гари Леман, Кундри – Виолета Урмана, Рене Папе – Гурнеманц, Клингзор – Николай Путилин, Амфортас – Евгений Никитин, дирижер –Валерий Гергиев). После этого в прокате постановки на Исторической сцене Мариинского театра образовался довольно длительный перерыв, и старая музыкально обновленная постановка «Парсифаля» с новым составом исполнителей вернулась на родную сцену лишь осенью прошлого года, а творческую вахту за дирижерским пультом Симфонического оркестра Мариинского театра при этом снова тогда нес Валерий Гергиев. «Парсифаль» Вагнера невольно ассоциируется с огромной музыкальной галактикой, и сразу же напрашивается весьма актуальный для нашего рассмотрения астрономический тезис: «Если галактика не рождает новые звезды, она умирает». Но ведь то же самое – и с постановкой «Парсифаля»! Оркестр и хор, ведомые Валерием Гергиевым, – ее сердце, а певцы-солисты – душа, и одно лишь пламенное биение сердца дирижера и музыкального руководителя – условие творческого существования необходимое, но явно не достаточное. К счастью, за довольно большой отрезок лет в Мариинском театре произошла решительная смена творческих поколений, и на концертном исполнении в Москве мы смогли открыть новые звездные имена. Оперных звезд галактика мариинского «Парсифаля» рождает по-прежнему, и это значит, что она находится в активной творческой фазе и однозначно жива! В первую очередь подлинно ярким открытием в партии Кундри становится меццо-сопрано Юлия Маточкина. Относительно ремарки на сайте «Зарядья» о том, что Кундри (партия сопрано) исполняется на сей раз меццо-сопрано, можно сказать, что уточнение это – абсолютно лишнее, так как размытость диапазона и тембральной окраски голосов иных исполнительниц иногда заставляет говорить так, а иногда иначе. К примеру, та же самая Виолета Урмана в гораздо бóльшей степени ассоциируется с сопрано, чем с меццо. Или же вспомним хотя бы даже знаменитую немецкую певицу Вальтрауд Майер, звучание которой также являло всегда тембральную двойственность с преобладанием фактуры сопрано. Голос Юлии Маточкиной – ярко выраженное меццо-сопрано, никакой латентности сопрано не выявляющее: он звучит сочно и ярко, драматически чувственно и обертонально богато, психологически выразительно и уверенно на всём своем рабочем диапазоне. Гибкость его вокальной палитры позволяет одинаково убедительно прибегать певице как к лирическим, так и к драматическим краскам, и дуэт второго акта с Парсифалем становится эмоционально мощной, постепенно нарастающей лирико-драматической кульминацией, в которой Кундри «перепевает» своего Парсифаля. Впрочем, тенор Михаил Векуа в партии Парсифаля всё же являет образец убедительной вокальной добротности. Когда-то этот певец был обладателем голоса стопроцентно лирического по фактуре, хотя и с явным налетом спинтовости. За последние годы спинтовость его звучания заметно увеличилась, и сегодня можно вполне уже говорить о певце как о теноре героическом. Но в партии Парсифаля, в которой, конечно же, предпочтительнее слышать голоса более теплой и чувственной баритеноровой фактуры, Михаил Векуа на всём протяжении роли звучит несколько однопланово – весьма зычно, звонко, со стальным тембральным отливом, что порой просто «не в ногу» с музыкальностью. Но, тем не менее, заявка на эту роль сделана певцом вполне основательно и профессионально зачетно. При этом бас Юрий Воробьёв уверенно создает роскошный вокальный портрет Гурнеманца – драматически рельефный, психологически фактурный, пленяющий насыщенно густой тембральной окраской. Тройка исполнителей – бас Владимир Феляуэр в небольшой партии Титуреля, баритон Алексей Марков в сюжетообразующей партии Амфортаса и, как значилось на сайте «Зарядья», баритон Михаил Петренко в партии антагониста Клингзора – номинально также на своем месте. Последний, хотя всегда и числился басом, с басовой сущностью всегда ассоциировался мало. Если же Михаил Петренко решил перейти в амплуа баритона, то вопросов нет, а если это случайная опечатка, то опечатка – более чем удачная! Фото Лилии Ольховой

    Belcanto.ru / 8 д. 16 ч. 4 мин. назад далее
  • Вышел посмертный сингл Avicii. На подходе альбомВышел посмертный сингл Avicii. На подходе альбом

    Выручку от этих релизов направят на борьбу с психическими расстройствами и на благотворительность

    PromoDJ.ru / 8 д. 19 ч. 21 мин. назад
  • Фото: KHANDRA, IMPERIAL TRIUMPHANTФото: KHANDRA, IMPERIAL TRIUMPHANT

    (с) фото Siarhei «petrowitch» Hahulin. Концертные впечатления тут.

    Hitkiller.com / 9 д. 15 ч. 32 мин. назад
  • ещё новости
  • Что посмотреть: фильм о самобытности бельгийской электронной сценыЧто посмотреть: фильм о самобытности бельгийской электронной сцены

    О чисто бельгийском феномене нью-бита и раннем хардкоре, который потом успешно оседлали и популяризировали вездесущие британцы — в документалке «The Sound Of Belgium»

    PromoDJ.ru / 10 д. 3 ч. 33 мин. назад
  • Пианист Дмитрий Шишкин выступит в БЗКПианист Дмитрий Шишкин выступит в БЗК

    22 апреля, понедельник, 19.00. Большой зал Московской консерватории 22 апреля в Большом зале консерватории выступает один из самых ярких молодых пианистов третьего тысячелетия Дмитрий Шишкин, сообщила пресс-служба МГК. Несмотря на молодость, за его плечами множество побед на международных конкурсах, концертных выступлений в разных странах. Дмитрий Шишкин родился в 1992 году в Челябинске, первый концерт дал в три года (!), и благодаря поддержке Благотворительного фонда Владимира Спивакова, в 9 лет перебрался в Москву. Музыкальное образование он получил в МССМШ имени Гнесиных (педагог – Михаил Хохлов) и Московской консерватории (педагог – Элисо Вирсаладзе). Хотя Дмитрий Шишкин давно на эстраде, но всё равно считает, что «процесс учёбы бесконечен, это постоянное движение, стремление, поиск, иначе “закиснешь”. Помощь наставников вселяет в меня уверенность, это основа, корни, которые меня поддерживают, питают, чтобы “не заносило и раскачивало”». «В Шишкине обаяние есть, прежде всего, в его исполнительской индивидуальности. Это передаётся во всех аспектах его игры: в звучании и его красках, в обращении с педалью, что придаёт еще большую красочность и одновременно прозрачность, в его естественной фразировке, в его rubato, легком и поэтичном», – такие отзывы можно прочесть о его игре. В 2015 году Дмитрий Шишкин стал лауреатом Международного конкурса пианистов имени Шопена в Варшаве, в 2017 году выиграл конкурс Top of the World в норвежском городе Тромсё, а в 2018-м – Международный конкурс исполнителей в Женеве в номинации «фортепиано». В программе его сольного концерта в БЗК прозвучат сочинения Шопена и русских композиторов «эпохи модерна», причем в концептуальном жанре сонаты. «Когда я исполняю музыку Шопена, мне кажется, что я её лучше всех понимаю; когда проникаюсь музыкой Скрябина, то он – мой кумир; когда берусь за Прокофьева, он заполняет все мои чувства и мысли, и так далее… Этот процесс, я считаю, абсолютно верен и необходим, уж для меня точно. Если хотите, “я всеяден и жаден” до всех и всего"», – признается артист. В программе: Шопен – Два экспромта: ля-бемоль мажор, соч.29 фа-диез мажор, соч.36 – Скерцо №2 си-бемоль минор, соч.31 Скрябин – Соната №2 (соната-фантазия) соль-диез минор, соч.19 Рахманинов – Соната №2 си-бемоль минор, соч.36 Прокофьев – Соната №7 си-бемоль мажор, соч.83

    Belcanto.ru / 10 д. 4 ч. 9 мин. назад далее
  • Плагин Loudness Penalty вычисляет оптимальную громкость треков для стримингаПлагин Loudness Penalty вычисляет оптимальную громкость треков для стриминга

    Новинку можно протестировать бесплатно

    PromoDJ.ru / 11 д. 0 ч. 26 мин. назад
  • У культового фильма про рейв «В отрыв!» будет продолжениеУ культового фильма про рейв «В отрыв!» будет продолжение

    Спустя 20 лет после выхода оригинальной ленты «Human Traffic» в сиквеле снимутся те же актеры

    PromoDJ.ru / 11 д. 4 ч. 5 мин. назад
  • Ученые: музыка Скриллекса помогает избавиться от комаровУченые: музыка Скриллекса помогает избавиться от комаров

    Новое исследование доказало, что дабстеп отпугивает москитов и препятствует их размножению

    PromoDJ.ru / 11 д. 19 ч. 19 мин. назад
  • Дитя своего времениДитя своего времени

    Премьера «Орландо, Орландо» в Геликон-опереГеоргий Исаакян вновь в этом сезоне обращается к барочной опере. Осенью в театре им. Н. Сац вышел «Орфей» Монтеверди, а в апреле в Геликон-опере увидело свет новое дитя: опера по мотивам «Орландо» Генделя. На афише удвоенное название «Орландо, Орландо» и два композитора: кроме Георга Фридриха Генделя автором значится британский электронный музыкант Габриэль Прокофьев. Нам сразу дают понять, что здесь не стоит ждать истории о рыцаре Орландо, разрывающемся между любовью и долгом, фантастических сцен безумия и строгих волшебников. Сейчас иное время, и режиссер накладывает на генделевскую музыку иной сюжет – массовое убийство в американском городе Орландо, когда молодой арабский парень ворвался в местный гей-клуб и открыл стрельбу. Исаакяновский Орландо живет обычной жизнью подростка, который валяется на кровати, играет в видеоигры и страдает от непонимания окружающих. Отец в майке-алкоголичке отчитывает его, призывая наконец встать и заняться делом. Все расхождения со смыслом либретто задрапированы субтитрами, которые вместо перевода транслируют лишь общее описание сцены. Как титры в немом кино: «Орландо в смятении» – и по этому поводу десять минут звучит некий текст на итальянском. Контртенор Кирилл Новохатько в титульной роли действительно создает образ эгоистичного запутавшегося в себе подростка и, намеренно или нет, небольшая сила его голоса работает на режиссерскую идею – герой потерян в этом мире. Волшебник Зороастро из положительного стал отрицательным персонажем, точнее несколькими персонажами: по ходу действия он то превращается в отца, то появляется на экранах в виде телеведущего, то под маской политика-популиста приходит в ночной клуб делать селфи с молодежью. Он вторгается в мир главного героя, словно Протей с сотней обличий: семья, СМИ, политика, религия – все со своими заповедями, требованиями и табу. В исполнении баса Александра Киселева Зороастро потерял вокальную рельефность, но приобрел актерскую характерность, став эдаким мелким настырным дьяволом-искусителем, который понемногу сводит Орландо с ума. Женские персонажи, в согласии с модным ныне феминизмом, вокально прозвучали сильнее мужчин, а сюжетно образовали сложный лесбийский треугольник. Возлюбленная Орландо Анжелика (Лидия Светозарова) влюблена в посетительницу гей-клуба Медоро (Юлия Никанорова), в которую также влюблена уборщица-мигрантка в хиджабе Доринда (Анна Гречишкина). Их запутанные отношения выливаются в красивый терцет «Consolati o bella», с мягким сопрано Анжелики, глубоким меццо Медоро, ясным юношеским сопрано Доринды. «Они пытаются разобраться в своих чувствах», – лаконично поясняют эти перипетии субтитры. Оркестр под управлением Эндрю Лоуренса-Кинга тоже исполнил музыку Генделя условно-обобщенно: даны ключевые детали в виде клавесина, теорбы и барочной арфы, а динамику звука и фразировку зрителю словно предлагают домыслить самостоятельно. Но для оркестра Геликона барочная опера – серьезный шаг за пределы зоны комфорта, поэтому будем надеяться, что все HIP-вершины еще впереди. Кроме того, новая музыкальная редакция не предполагает смакования музыки и аттракциона аффектов. Акцент сделан на усиление динамики истории (оригинальная партитура сокращена), придание происходящему большей масштабности (добавлены хоровые номера из генделевской оратории «Израиль в Египте») и возрастание акустического напряжения (добавлена клубная музыка). Все изменения довольно органично сплелись в единую структуру. К традиционной для барочной оперы фигуре хора-комментатора событий добавился диджей-комментатор, исполняющий электронные вариации на тему Генделя. Однако в обращении Габриэля Прокофьева с материалом сквозит некоторая скованность и осторожность, потенциал электронного переосмысления барочной музыки гораздо больше (вспомним безжалостные эксперименты над Рамо и Скарлатти французского музыканта Готье Сэрра, известного под псевдонимом Igorrr). Самыми выразительными оказались эпизоды, где электроника наслаивалась на звучание живого оркестра, обозначая помутнение рассудка главного героя. Переключения музыкальных планов сочетаются с кинематографичной сценографией спектакля (художник Хартмут Шоргхоффер). Пространство постоянно меняется и перекраивается: тесная комната в квартире Орландо, интерьер ночного клуба, танцпол в виде вращающегося круга с несколькими отсеками. По-киношному показаны и эпизод с одиноким Орландо в равнодушной толпе и финальное слоу-мо в сцене расстрела в клубе. По словам Исаакяна, основной темой этой постановки является «инакость» героя по отношению к обществу. Но спектакль, как подросток, взбунтовался против родителя и пошел своим путем. Не инаковость, а одинаковость стала главной проблемой Орландо. Он дитя эпохи постмодерна, заблудившееся в мире СМИ, соцсетей и расщепленного социума, которые как воинствующий хор требуют: «Сделай что-нибудь значительное! Борись за любовь! Прими челлендж!». У Генделя в финале был обязательный хэппи-энд, к запутавшемуся рыцарю возвращался рассудок, а все убитые оказывались чудесным образом спасены. Орландо нашего времени остается один среди горы трупов. Под светлую музыку ариозо «Già l'ebro mio ciglio» полиция выбивает дверь в клуб. Герой спокоен. Он смог. Он совершил свой поступок. Фото: Ирина Шымчак, Антон Дубровский

    Belcanto.ru / 11 д. 23 ч. 43 мин. назад далее
  • Моцарт, Гайдн, Бетховен и Глюк…Моцарт, Гайдн, Бетховен и Глюк…

    Юлия Лежнева и «Musica Viva» в Большом зале Московской консерваторииВыступлениям Юлии Лежневой всегда обеспечен аншлаг, и концерт, состоявшийся 2 апреля в Большом зале Московской консерватории под эгидой концертного агентства «Moscow Nights», исключением, также не стал. Мы хорошо знаем певицу как блестящую исполнительницу репертуара барокко, но помимо музыки реформатора этого жанра Глюка, основной «контент» нынешней программы составила музыка венских классиков, хотя и выдержанная в старой барочной традиции. Музыка Моцарта, Гайдна, Бетховена и Глюка (именно в таком порядке) звучала блоками, в которых вокальным номерам предшествовали инструментальные. Весь вечер за дирижерским пультом Московского камерного оркестра «Musica Viva» находился Дмитрий Синьковский, и его мы знаем не только как дирижера, но также и как блистательного скрипача, и как весьма интересного певца-контратенора. Блок Моцарта составили увертюра к опере «Идоменей» (1781, KV 366) и ария Амиталь «Quel nocchier che in gran procella» из второй части оратории «Освобожденная Ветилуйя» («La Betulia liberata», 1771, KV 118) на слова Метастазио. В блок Гайдна вошли Симфония № 6 ре мажор «Утро» («Le matin», 1761, Hob. I:6) и «Сцена Береники» для сопрано с оркестром на слова из либретто Метастазио к опере «Антигон» (1795, Hob. XXIVa:10), а в блок Бетховена – Увертюра «Кориолан» (1807, op. 62) и Концертная ария «Аh! Perfido» (1796, op. 65), текст начального речитатива которой взят из либретто Метастазио к опере «Ахилл на Скиросе», а автор слов собственно арии «Per pietà, non dirmi addio … Ah crudel! Tu vuoi ch’io mora!» неизвестен. Финальный блок Глюка был представлен фрагментами из оперы «Орфей и Эвридика» (1762) на либретто Раньери де Кальцабиджи – парой инструментальных пьес («Танцем блаженных духов» и «Танцем фурий»), а также двумя ариями Орфея (знаменитым cantabile «Che farò senza Eurudice» и арией di bravura «Addio o miei sospiri»). Еще одна ария di bravura – ария Костанцы «Agitata da due venti» из оперы Вивальди «Гризельда» (1735) на либретто Дзено, переработанное Гольдони, – была исполнена в качестве биса, который весьма эффектно вернул программу, в которой превалировали сочинения венских классиков, к их барочным истокам. Так что эта интереснейшая, с большим музыкантским вкусом составленная программа стала настоящим подарком для меломанов, а камерный оркестр «Musica Viva» оказался ее надежным фундаментом. При этом дирижер Дмитрий Синьковский предстал не только замечательным ансамблистом-аккомпаниатором, но и превосходным интерпретатором-симфонистом, особенно – в музыке Гайдна и Бетховена… Жанр оратории «Освобожденная Ветилуйя» – «священное действо», то есть azione sacra, и ее сюжет – одна из «перепевок» библейской легенды об отважной Юдифи, обезглавившей кровожадного Олоферна и спасшей свой родной город от осады и гибели. Правда, сам Олоферн, на котором завязана сюжетная фабула и без ссылки на которого по ходу развития сюжета никак не обойтись, как персонаж оратории не задействован. Зато в ней – много представителей победившей в итоге стороны, то есть жителей Ветилуйи, и благородная израильтянка Амиталь – одна из них. Свою арию «Quel nocchier che in gran procella» она поет после обращения к Оцию (Озии), представителю «официальной власти» города: «Почему, хотя невзгоды осады усугубляются, все хранят молчание и ничего не предпринимают?» А смысл витиевато-поэтической арии Амиталь сводится к следующему: корабль, штурман которого в шторм ничего не делает для спасения, неминуемо пойдет ко дну, а больной, который не стонет, но всё еще дышит, практически уже мертв… И эту арию, донося до слушателей всю обеспокоенность своей героини, Юлия Лежнева поет взволнованно-страстно, виртуозно-технично, в лучших традициях барочной музыки, ведь этот опус 15-летнего Моцарта, ни разу, кстати, не исполненный при его жизни, явно еще испытал на себе стилистическое влияние таких корифеев барокко, как уже почивший на то время Лео и еще здравствовавший Хассе. В связи с ораторией Моцарта вспоминается оратория Вивальди «Торжествующая Юдифь» («Juditha triumphans devicta Holofernis barbarie», 1716, RV 644) на ту же самую тему, но положенная на латинское либретто Якопо Кассетти, исполнение которой «Musica Viva» осуществила в 2011 году. В «Сцене Береники» Гайдна расклад страстей совсем иной. Хотя Береника обручена с Антигоном, на самом деле она влюблена в его сына Деметрия. Разрываясь между чувством любви к Беренике и сыновним долгом, Деметрий не видит иного выхода, как свести счеты с жизнью. Безутешная Береника оплакивает свою судьбу и жаждет умереть вместе со своим возлюбленным. В этой сцене два блока «речитатив – ария». Первый – развернутый драматический речитатив accompagnato «Berenice, che fai? и медленное ариозо «Non partir, bell’idol mio». Второй – крохотный речитатив «Me infelice! Che fingo?» и виртуозная ария в классическом стиле «Perché, se tanti siete». Музыкально-драматический накал этой сцены велик, поэтические метафоры сильны, и всё отчаяние своей героини певица передает изумительно мастерски! Голос Юлии Лежневой за последние годы укрупнился, стал более чувственным, более вальяжным и отзывчивым в отношении артистического куража и музыкантского драйва, что для этой драматической сцены – просто попадание в десятку! Технически впечатляющей и не менее искусной певица предстает и в Концертной арии Бетховена – восхитительно трогательном и патетически страстном монологе нешуточных любовных переживаний. А на барочном музыкальном поле Глюка для рецензента впервые в ее исполнении весьма интересно было услышать две арии Орфея, в которых артистка примерила на себя еще один образ героя en travesti. В арию «Che farò senza Eurudice» она вложила, кажется, целую вселенную человеческой скорби, а арию «Addio o miei sospiri», которая в корпус итальянской версии оперы вошла чуть позже венской премьеры 1762 года, расцветила каскадом блистательной виртуозности. Это включение произошло в 1769 году в так называемой пармской версии «Орфей», в которой партия главного героя была перепоручена кастрату-сопрано. С вокальными задачами этой арии, написанной Глюком в старой итальянской – отнюдь не реформаторской – манере Юлия Лежнева справилась превосходно! У меломанов эта ария сегодня весьма устойчиво ассоциируется с парижской редакцией 1774 года, в которой Орфей превратился в высокого тенора, так называемого haute-contre (на французском это ария «L’espoir renaît dans mon âme»). В качестве дополнения: возвращаясь к барокко и Грауну… Певческий голос – особый инструмент, и сопрано Юлии Лежневой уникально: ее голос подвижно легок и чувственно силен, и он способен звучать как на нежнейшей кантилене, так и переливаться мириадами оттенков колоратуры в виртуозных, умопомрачительных пассажах, буквально «сносящих крышу» меломанам и эстетически утонченным ценителям барокко. И прозвучавшая на бис ария «Agitata da due venti» из «Гризельды» Вивальди – супервиртуозный репертуарный конек певицы – напомнила о ее предыдущем московском концерте в зале «Зарядье» (9 марта нынешнего года) с ансамблем «La Voce Strumentale», художественным руководителем, первой скрипкой и основателем, которого как раз и является Дмитрий Синьковский. Тот концерт стал феерическим пиршеством барокко, но его изюминкой, привлекшей истинных меломанов, стала возможность впервые услышать явные для нас раритеты – арии из опер немецкого композитора-барочника Карла Генриха Грауна (1704–1759), и в этом как раз и заключается повод для настоящего дополнения. Монографический аудиоальбом Грауна с ансамблем «Concerto Köln» и дирижером Михаилом Антоненко Юлия Лежнева записала в 2017 году, но на том концерте вживую мы услышали из него четыре трека. Отправную информацию об операх Грауна (о сюжетах и оригинальной раскладке голосов) найти сегодня непросто, но, как бы то ни было, две арии, прозвучавшие в исполнении сопрано, сегодня также воспринимаются ариями героев-травести. Речь идет об арии di sostenuto Аристея «D’ogni aura al mormorar» из «Орфея» («Orfeo», 1752) и арии di bravura Постумия «No, no di Libia fra l’arene» из оперы «Сулла» («Silla», 1753). При этом структура прозвучавшей в тот вечер арии Армиды «A tanti pianti miei» из одноименной оперы («L’Armida», 1751) интересна тем, что, будучи по темпам, в целом, медленной, в своем центральном разделе содержит всплеск темпа, мощный взрыв di bravura, который стремительно начинается, но быстро возвращается к cantabile. Ария di bravura Агриппины «Mi paventi il figlio indegno» из оперы «Британник» («Britannico», 1751) – то, с чем сначала осенью 2015 года мы познакомились в Москве как со вставной арией Лаодики «Di tuo amor, mio cor è indegno» на концертном исполнении оперы «Сирой» Хассе. Надо ли говорить, что в ней Юлия Лежнева царила как одна из ключевых фигур! Еще один супервиртуозный номер, в котором высочайшее техническое мастерство певицы, а также ее истое погружение в эстетику и стиль барокко с новой силой проявились на новом витке ее творчества, поставил в блоке Грауна роскошную точку! Фото предоставлены концертным агентством «Moscow Nights»

    Belcanto.ru / 12 д. 20 ч. 41 мин. назад далее
  • Юлия Лежнева в «Севильском цирюльнике»Юлия Лежнева в «Севильском цирюльнике»

    30 марта Гамбургская опера простилась с «Севильским цирюльником» Россини в постановке Жильбера Дефло. Всего со дня премьеры 29 декабря 1976 года состоялось 216 представлений. Идею и общее оформление этого спектакля я уже описывала в рецензии «Севилья ловит медленные ритмы». В этот раз, к сожалению, в оркестре было меньше солнечных красок и не хватало захватывающей весёлости, вдохновляющего огонька (дирижёр Роберто Рицци Бриньоли). В сообщении для прессы были перечислены исполнители, в своё время участвовавшие в этой постановке: Чечилия Бартоли, Владимир Чернов, Евгений Нестеренко, Паата Бурчуладзе, Дмитрий Хворостовский и другие. Финальным аккордом стало выступление Юлии Лежневой в партии Розины. Было немного жаль, что Лежнева приехала в Гамбург, чтобы создать именно этот образ — весёлой девушки, переживающей приключения, связанные с первой любовью. Мне всё же была бы интереснее героиня, уже несколько любовью побитая. Но в чувственных переливах её голоса даже речитативы казались исполненными самого глубокого смысла. Эта Розина — именно и в первую очередь обольстительна, тут примчишься не только из Мадрида. Конечно, Юлия Лежнева обладает всеми возможными достоинствами, которые только могут быть у оперной артистки: помимо невероятного тембрального богатства голоса и безупречной техники, её отличает простая благородная манера держаться, а также, при всей миниатюрности, «тяжелое», то есть всегда очень ощутимое присутствие на сцене. Бело-голубое платье, голубые туфли на каблучках, рыжий парик, в конце белая испанская фата — в таком обрамлении предстала перед нами эта удивительная артистка. Наиболее достойным партнёром для неё стал итальянец Маурицио Мураро — его полётный объёмный бас легко наполнял зал. Он уже весьма неплохо натренировался играть Дона Бартоло и выработал массу смешных жестов, некоторые из которых не лишены и элегантности, без избыточного кривляния. Дон Бартоло пару раз хватался за сердце, а когда уснул во время арии из «Тщетной предосторожности», в коротком кошмаре ему превидился граф Альмавива. Франко Вассало стремился показать, какие высокие ноты он может брать и как долго их удерживать, но его Фигаро для меня неожиданно оказался непоправимо испорчен нелепо сидящим костюмом, слишком сильно подчёркивающим непропорциональность фигуры. Антонино Сирагузе (граф Альмавива) удалась ария Линдоро, в которую он, стуча каблуками и аккомпанируя себе на гитаре, добавил чуть-чуть неистового фламенко, ну и пританцовывающая сцена с переодеванием в учителя музыки. Дон Базилио (Алин Анка) в этом спектакле, всё-таки, обожает не только деньги, но и музыку — Розине удалось его отвлечь от актуальных событий, заинтересовав нотным листом. Хотя, клевету он мог бы любить и с более страстным размахом — врать так уж врать. Зачем нужна в спектакле Берта (Ида Алдриан), осталось не вполне понятным — этот персонаж был толком не включён в действие и было неясно, что это за парни, которые вертятся вокруг неё, пока она по мере сил поёт, размахивая метлой. Йохан Кристенссон (Фиорелло) весь вымотался, пока организовывал серенаду графа. В завершение остаётся только выразить сожаление, что Гамбургская опера прощается с этой хоть ветхой, но приятной постановкой — слишком велик риск, что следующая современная интерпретация будет гораздо хуже. Фото: Emil Matveev, Hans Jörg Michel

    Belcanto.ru / 12 д. 20 ч. 42 мин. назад далее
  • Бигбит из-за железного занавеса. Артемий Троицкий вспоминает не только Карела ГоттаБигбит из-за железного занавеса. Артемий Троицкий вспоминает не только Карела Готта

    Хедлайнеры сто восьмого выпуска программы "Музыка на Свободе"​ – исполнители неблагонадёжной рок-музыки из Чехословакии. Рок-критик Артемий Троицкий связан с этой несуществующей уже страной сентиментальными воспоминаниями, и это даёт ему дополнительное право покопаться в старых музыкальных записях.  Я давно хотел сделать эту программу, но материала не хватало. Но вот  вышел сборник Czech Up! Volume 2, и материал с него заполнил пробелы. Речь пойдёт о модной чехословацкой музыке конца 60-х и начала 70-х годов. Тема эта мне более чем близка: с 1963-го по 1968 год я, трудный подросток, жил в Праге, где родители мои работали в редакции международного журнала "Проблемы мира и социализма". Рок-музыку, которую тогда в ЧССР называли "бигбит", я впервые услышал осенью 1963 года и немедленно к этой музыке проникся. Поначалу я слушал только пластинки, в основном синглы, которые имелись у моих школьных товарищей из западных стран. Французские я одалживал у Жан-Пьера и Патрика Бельфруа, итальянские у соседки Кати Моранино, латиноамериканские у Марианы Атиас из Чили. Ну и, конечно, у них всех были Beatles, Rolling Stones, Beach Boys и прочие глобальные знаменитости. Позже я начал, тайком от родителей, ходить на концерты местных пражских бит-групп. Был я там всегда самым маленьким и, признаться, чувствовал себя не совсем в своей тарелке среди волосатых парней в джинсах и роскошных девчонок в мини-юбках. Пива я не пил, да мне бы и не отпустили.  Клубы все были в центре города и назывались Sluničko ("Солнышко"), Olympic, Music F-Club, и концерты там проходили каждую неделю. Вскоре я узнал все главные чешские группы того времени, и у меня появились свои фавориты. Групп было десятка два; самыми известными были Matadors, Rebels, Olympic, Framus Five, Beatmen из Словакии, Synkopy 61. Моими любимыми были The Primitives Grpup, которые исполняли исключительно американскую психоделику. И ещё две группы, тоже психоделические, с ревущими фузз-гитарами и свингующими электроорганами, но певшие собственные песни по-чешски. Это были George & Beatovens и Flamengo. У меня были (и до сих пор хранятся) все их синглы. В том числе с любимыми песнями "Ложь безумного поэта" и "Казнь одной блондинки", представленными в сегодняшнем выпуске программы. Пластиночки, однако, за годы запилились на проигрывателе "Юбилейный", и использовать их на радио возможности не было.  George & Beatovens с композицией "Ложь сумасшедшего поэта" Чешская сцена того времени была довольно качественной и разнообразной; цензура себя особо не проявляла, и даже "попсовые" народные любимцы вроде Карела Готта выступали с электрическими составами, играли рок-н-ролл и позволяли себе петь по-английски. Трагический перелом случился, разумеется, в августе 1968 года. Сказать, что после оказания "братской помощи" вся актуальная музыка тут же обрушилась, было бы преувеличением: гайки завинчивались постепенно ещё года полтора. Навалилась коммунистическая цензура, "идеологически вредная" музыка выдавливалась в подполье, клубы закрывались. Очень многие артисты эмигрировали, в основном в ФРГ. В их числе была и Ивонна Пршеносилова, очень красивая девушка, исполнительница знойного хита "Пойдём вместе в подвальчик", выступавшая с группой Apollobeat. Кстати, и всенародный кумир Готт несколько лет провёл на западе Германии, где прекрасно освоил немецкий язык и тоже стал суперзвездой по кличке "Пражский соловей".  Карел Готт с песенкой "Я никогда не был таким молодым" В 70-е и 80-е годы музыкальная ситуация в Чехословакии стала очень похожей на советскую. Настоящий рок был полностью вытеснен из публичного пространства на секретные сходки и на квартирники и подвергался полицейским преследованиям. Это, впрочем, не помешало флагманской чешской андеграунд-группе Plastic People of the Universe  прославиться на весь мир, а их менеджеру и вдохновителю Ивану Йироусу (начинал, кстати, в Primitives Group) угодить в тюрьму. Что до официальной сцены, то она формировалась по лекалам "старшего брата": появилась масса весёлых ВИА, всячески поощрялась народная музыка и традиционная эстрадно-шлягерная песня. В этой среде, как и в СССР в 70-е, бурно расцвёл "бессловесный" джаз: блистали флейтист Иржи Стивин, вибрафонист Карел Велебны, интереснейший ансамбль SHQ. Самые талантливые из профессиональных композиторов, как и наши Геннадий Гладков, Микаэл Таривердиев и Александр Зацепин, ушли в киномузыку, сочиняя изысканные и, как правило, очень грустные песни. Вроде этой, Rokle, в исполнении Ганы Загоровой, к року отношения не имеющей. В переводе с чешского – "Овраг". Плей-лист программы "Музыка на Свободе" (выпуск 108): 1. King Krule (UK). The Locomotive, LP The Ooz 2. Khruangbin (USA). Como me Quieres, LP Con todo el mundo  3. Hollywood Sinners (Spain). Chunk of Steel, LP Khome kakka  4. Virginia Wing/Xam Duo (UK). Yesterday's Guest, LP Tomorrow's Gift   5. George & Beatovens (ČSSR). Lež blazniveho basnika, LP Surf Beat  Behind the Iron Curtain  6. Flamengo (ČSSR). Poprava Blond Golky, LP Czech Up! Vol.1 7. Karel Gott (ČSSR). I've Never Been So Young, LP Czech Up! Vol.1 8. Yvonne Prenosilova & Apollobeat (ČSSR). Nočni modlitba, LP Czech Up! Vol.2 9. SHQ (ČSSR). V obore, LP Czech Up! Vol.2 10. Hana Zagorova (ČSSR). Rokle, LP Czech Up! Vol.2 11. Nikolai Blad (Finland). Troijan Samovaari, LP Kotinpaluu  12. Gordi (Australia). Long Way, LP Reservoir  13. Camila Fuchs (Mexico/Germany/UK). One on One, LP Heart Pressed  between Stones

    Радио Свобода / 14 д. 6 ч. 23 мин. назад далее
  • Валентин Жук: «Глубина даётся только от рождения, научить этому нельзя»Валентин Жук: «Глубина даётся только от рождения, научить этому нельзя»

    Валентин Жук — выдающийся скрипач и дирижер, народный артист РСФСР, ученик А.И. Ямпольского и Леонида Когана, современник Евгения Светланова, Рудольфа Баршая, Мстислава Ростроповича, Геннадия Рождественского и многих других выдающихся музыкантов, с которыми он работал, дружил и создавал русскую историю исполнительской школы. Его судьба необыкновенна. Это человек, посвятивший свою жизнь Музыке. В 1955 году был удостоен первой премии на исполнительском конкурсе Всемирного фестиваля молодёжи и студентов в Варшаве, в дальнейшем становился лауреатом Международного конкурса имени Чайковского (1958, 6-я премия), Международного конкурса имени Лонг и Тибо (1960, 2-я премия), Конкурса скрипачей имени Паганини (1963, 2-я премия). С 1970 по 1989 гг. Валентин Жук являлся концертмейстером и постоянным солистом Академического Симфонического оркестра МГФ (Московской государственной филармонии), а с 1989 года – концертмейстером Симфонического оркестра Нидерландского радио, выступал как солист и камерный исполнитель, был профессором Амстердамской консерватории. В декабре 1991 года американский журнал The Strad избирает записи двух скрипичных концертов С. С. Прокофьева в исполнении Валентина Жука и оркестра Московской филармонии под управлением Д. Китаенко в число двух лучших, отмечая, что музыканту, как никому другому, удалось соединить точность исполнения с прокофьевским сарказмом. В настоящее время Валентин Жук по-прежнему активно концертирует в Москве и в других городах России. А в конце июня 2019 года состоится долгожданная презентация его автобиографической книги «Вы были музыкой во льду». В нашей беседе, во время его пребывания в Нижнем Новгороде, переплелись воспоминания о детстве в довоенное и послевоенное время в Москве, о памятных встречах и концертах. — Валентин Исаакович, ваше детство прошло в старой Москве. Если бы вам, как герою книги Рэя Брэдбери «Вино из одуванчиков», представилась возможность послушать звуки Москвы тех лет, то какие бы это были звуки? — Прежде всего, это звуки скрипки моего отца, которые я слышал каждое утро у себя над ухом. Мы жили в одной комнате в коммуналке. Поэтому я просыпался под звуки скрипки. Кроме того, он руководил очень известным квартетом имени Большого театра. И музыканты квартета очень часто репетировали у нас дома, потому что у нас была комната, где они более или менее могли поместиться. Так что звуки квартета тоже были с самого рождения. В нашей коммуналке жили кларнетист, два певца: баритон и тенор, которые распевались по утрам. Это была музыкальная квартира, одна из тех коммуналок, когда интеллигентные люди собирались на кухне, пили чай и беседовали. Но никто не жаловался, потому что жизнь была такая. Даже наоборот все как-то очень дружно жили. В этом же доме была единственная отдельная квартира, которая принадлежала совсем молодому Сергею Яковлевичу Лемешеву. А поскольку в это время вышел фильм «Музыкальная история», то его популярность была совершенно чудовищной. И под его балконом с раннего утра собирались девушки-поклонницы, в которых мы кидали какими-то предметами из окна. Мы их называли «лемешата». Это был довольно большой дом, прямо возле Большого театра. Мы оттуда уехали, когда мне было шесть лет. — То есть ваше детство прошло в центре Москвы? — В самом центре. Потом мы переехали на Садовое кольцо, в этот скучный тяжелый бериевский дом с ужасными соседями, кгбшное начальство в военной форме. Всегда хмурые и деловые, они никогда не здоровались. Я даже не выходил во двор гулять, меня не могли заставить. И это после того, как я провел шесть лет своей жизни во дворе, буквально не вылезая оттуда. В старом дворе вожаком в играх у нас был Светланов. Я помню грандиозную военную игру, где он был командиром, а я – младшим санитаром. И однажды я ему сказал: «Товарищ командир! Там пушки!» А он сказал: «Пушки, пушки, детские игрушки!» Почему-то я это запомнил на всю жизнь. Я ему потом много раз это напоминал. Он, конечно, этого не помнил, а для меня это было потрясение: как же, пушки, оказывается, совсем детские игрушки. После войны Светланов и мой брат еще какое-то время дружили. Он приходил к нам домой. А потом как-то разошлись, у всех были свои дела. — В вашей семье не только вы и папа занимались музыкой, но и ваш брат, верно? — Да, мой брат занимался на фортепиано вместе с Евгением Светлановым. Он отличался фантастическим слухом и музыкальной памятью, но бросил музыку и пошел в совсем другом техническом направлении. — Вы помните ваше самое первое выступление? — Первое выступление было совершенно провальным, в школе у моего брата. Мне тогда только исполнилось шесть лет. Я жутко волновался. Мой брат решил мне саккомпанировать и объявил: «Бетховен. “Сурок”». И что-то у меня ничего не пошло. Так я ничего и не сыграл. Ужасное было разочарование. — С какого возраста вы стали посещать концерты и спектакли? — До войны я этого не помню. А после войны меня отец брал часто на генеральные репетиции. И я побывал на нескольких судьбоносных генеральных репетициях, в том числе на опере «Великая дружба» Вано Мурадели в 1948 году. Эта опера была совершенно примитивнейшая, не могло быть и речи о каком-то там формализме. После этого вышла знаменитая статья об этой опере и пошли совещания по Шостаковичу, по Прокофьеву, по Хачатуряну. Какой формалист Хачатурян?! Трудно даже представить себе. Мясковский, вообще, – композитор из XIX века , но и по нему прошлись. Одно из детских впечатлений. Центральная музыкальная школа была при консерватории и, естественно, мы часто бывали в консерватории. И вот идешь по коридору, а навстречу идет Мясковский, такой классический, с бородкой. Почему-то я его запомнил. Я даже спросил у папы: «А кто это?» Он ответил: «Это знаменитый композитор Мясковский». — А Прокофьева вы помните? — Прокофьев же в Москве не жил практически, он жил на Николиной горе. Поэтому я его не видел. Вы знаете об этом неприятно говорить. Есть такое выражение «видел в гробу». Единственный раз в жизни я его видел в гробу . Это было в марте 1953 года. Я зашел в консерваторию по каким-то делам. Как раз была панихида в вестибюле Малого зала консерватории. А Дмитрия Дмитриевича Шостаковича я много видел и общался. Отец с ним дружил. — Вы же были на репетиции знаменитой Ленинградской симфонии… — Я был и на репетиции, и на концерте. — На вас ребёнка какое впечатление она произвела? — В семь лет не очень воспринимается новое, громадное сочинение. Впоследствии она стала моей любимой симфонией. Хотя не все считают, что это лучшее его произведение. Я её знал, не то, что знал, я её продирижировал в Голландии наизусть без нот. Оркестранты были очень удивлены. — В опубликованных отрывках ваших мемуаров я прочитала, что в Ленинграде уже было четвертое исполнение симфонии. Признаюсь, для меня это было новостью. — Да, премьера симфонии состоялась в Куйбышеве, затем в Молотове (Пермь) с оркестром Мариинского театра, в Новосибирске с Е.А. Мравинским, а потом уже в Ленинграде. И никто сейчас не упоминает кто собрал оркестр, кто дирижировал, кто вообще все это организовал. Это был Карл Ильич Элиасберг, замечательный музыкант и выдающийся дирижер. Старшее поколение его очень хорошо помнило. Даже вышла о нем книга воспоминаний, в которой есть и моя, довольно большая, статья о нём. Это был удивительный человек, святой от музыки, не от мира сего совершенно. — А любили ли вы в детстве читать? — В то время книг вообще не было. У нас дома были отдельные книжки Фенимора Купера, Жюля Верна, которые я читал. Книги и подписные издания стали появляться примерно в конце 40-х годов. За ними стояли неделями, записывались в очередях с номерками за непонятными писателями. Когда мы попадали с оркестром в Болгарию и в какой-нибудь деревне находили захудалый книжный магазинчик, то был погром, потому что там было все, чего не было в Советском Союзе. Мы, как безумные, таскали оттуда чемоданы, коробки, сумки с книгами. Мой помощник, вообще помешанный на книгах, притом он все читал, подбежал ко мне в этой деревне и говорит: «Ну! Ты купил «десятитомник» Данте?» Оказалось, что он купил десять экземпляров, которые впоследствии обменял на другие книги в Москве. — Вы закончили Центральную музыкальную школу. Какой она была в самом начале своего существования? — Наша ЦМШ была необыкновенно продвинутой. Там была какая-то свобода, которой в школах не было. В ЦМШ были маленькие классы по 10-12 человек, в которых учились люди одаренные. Педагоги по общеобразовательным предметам махнули на нас рукой, понимая, что нам не пригодится в жизни. В общем, мы учились тяп-ляп. Могли объявить забастовку. Нужно писать контрольную по математике, а мы отказываемся. И ничего, проходили такие вещи. Однажды выгнали весь звёздный класс. Недели две их не пускали в школу за поведение. В этом классе были все будущие звезды. Из скрипачей там были Безродный, Грач, Бейлина, Шебалин из квартета Бородина, из пианистов: Берман, Малинин, Аля Пахмутова. Необыкновенный был класс. — А дома вас воспитывали в строгости? — Папа был строгим. Но, в основном, насчет скрипки. Он совершенно не выносил, когда я занимался. Влетал в комнату и кричал: «Ни одной чистой ноты!!!» Он со мной не мог заниматься. Считал, что я бездарь, и из меня никогда ничего не выйдет. Несколько раз он мне предлагал заняться чем-нибудь другим. — Это было тяжело? Вы все-такие ему благодарны? — В общем, если бы не он, то, наверное, я бы где-то остановился на полпути. Но он очень переживал, когда я пошел работать в оркестр. Он считал меня солистом в чистом виде. А я мечтал всю жизнь о большом оркестре, потому что мне хотелось играть большую музыку. Я не знал, что мне удастся совместить работу в оркестре с сольной деятельностью. Сыграли роль мои личные отношения с Кириллом Петровичем Кондрашиным. Он был очень терпимым человеком и, понимая, что мне нужно играть сольно, поставил некоторые условия по периодичности моего отсутствия. Он меня отпускал надолго. — У немецкого писателя Германа Гессе есть такое понятие «пробуждение», когда человек начинает слышать свое призвание. В вашей ситуации вас не спрашивали, хотите ли вы играть на скрипке. Родители обнаружили абсолютный слух и дали вам в руки скрипку. А когда вы сами поняли, что скрипка – это ваше призвание? — А я вам скажу. Для меня это возраст 14 лет, я его наблюдал несколько раз. Я наблюдал на себе, на своих сыновьях. Видимо, это такой переломный возраст, когда начинаешь понимать, что времени и сил потрачено очень много, нужно что-то делать. Первый после войны международный конкурс, где все принимали участие, был конкурс им. Кубелика. Самое страшное для международного конкурса было пройти отбор. Я много раз не проходил. Когда ты проходишь отбор, то дальше ты занимаешь какое-то место наверняка. Западные «товарищи» путешествовали за свой счет с одного конкурса на другой, здесь не получилось, там получится. А мы представляли Советский Союз. И вот на этом отборе на конкурс им. Кубелика играли все, из Москвы, из Ленинграда, из Киева. То есть все лучшие из лучших. А я сидел часами на этих открытых прослушиваниях. И вот тут у меня появилось «а, может, я смогу быть не хуже?!» — А вы помните, какие произведения вы играли в этом возрасте? — Я немножко опережал средний репертуар. В 14 лет я уже играл концерт Мендельсона, какие-то пьесы Паганини. У нас были знаменитые классные вечера Ямпольского. Я очень хотел играть вариации Паганини на тему из оперы Дж. Россини «Моисей в Египте» на струне соль. И мне страшно нравилась эта пьеса. Её в свое время играл Леонид Коган. Я обратился к Ямпольскому: «Абрам Ильич, я хочу это выучить!» Он мне сказал такую обидную вещь: «Ты знаешь эту пьесу нужно играть как Лёня или совсем не нужно». Но все-таки я сыграл. Это было в седьмом классе. Но что еще именно в этот момент я играл, я не помню. Репертуар очень быстро менялся. Что-то выучивали, что-то оставляли. К Ямпольскому на урок надо было прийти обязательно с выученным произведением, чтобы технически оно было готово. А он занимался фразировкой, звучанием, стилем и так далее. — Как происходит процесс, когда юный музыкант начинает находить свой звук. Очень сложно найти свой голос? — Сначала ищут не столько свой голос, сколько хороший голос. Потом уже какой-то свой звук. Наверное так. Как раз Ямпольский отличался тем, что он не давил на учеников, он давал свободу. Коган, Ситковецкий, Безродный, Грач – совершенно разные музыканты. У Давида Федоровича ученики были, как правило, как маленькие Ойстрахи. Потому что они стремились ему подражать. Конечно, этого избежать было нельзя. Когда великий скрипач сидит и играет возле тебя на скрипке, хочется, чтобы тоже было похоже. А Ямпольский сам не играл. Но мы его иногда «выставляли», заставляли взять скрипку и что-то показать. Но очень редко. Технические моменты решались с ассистентом. Они менялись. В числе ассистентов очень много лет был Юрий Исаевич Янкелевич, например. Когда я поступил в консерваторию, Коган начинал работать как ассистент. Когда умер Ямпольский, мы остались сиротами. Все бежали куда-то, все к Ойстраху хотели. Я остался у Когана. Первый год я был у него единственным учеником. Поэтому Леонид Борисович очень много мне дал в смысле владения скрипкой. — Как строились ваши отношения? Как учителя и ученика? Или вне класса вы все-таки дружили, потому что знакомы с детства? — Нет. Во время эвакуации в Пензе, когда я был в приготовительном классе, а он в десятом, он был для меня Лёней, мальчиком из той же школы. Но когда я стал у него заниматься, я решил, что этого не должно быть. Это мой педагог, уже профессор. Он стал Леонидом Борисовичем. У нас были более или менее дружеские и неформальные отношения. Он часто мне звонил по телефону, мы обсуждали какие-то вещи. Но всё-таки он остался для меня педагогом. А Коган был очень жестким педагогом, очень. — Вы на него обижались? — Нет, я не обижался, потому что это было справедливо. — Как в таких случаях нужно справляться со своими внутренними переживаниями по поводу резких замечаний? Не было желания бросить и отступиться? — Нет. Но было желание бросить, когда он сидел в классе и показывал тебе то, что ты играешь. Вот тут иногда было желание бросить это дело, потому что по сравнению с ним, начинал чувствовать себя каким-то жалким скрипачишкой. — А существует на ваш взгляд предел таланта? Либо если что-то не получается, нужно двигаться вперед, несмотря ни на что, или все-таки этот потолок существует? — Вряд ли кто-нибудь для себя определял этот предел, за который он не может выйти. Наверное, все хотели бы достигать все большего и большего. Мне мальчишке все было легко, за все брался, ничего не боялся, выучивал за несколько дней, когда нужно было. Но потом стало по-другому. — То есть вы верили в себя вопреки? — Я не то, что верил, я просто мог. Мне давали задание, я это делал, придумывал безумно трудные программы. Но потом в Голландии я уже был совсем не мальчик. Когда меня попросили дать список, что я могу играть, у меня в репертуаре было сорок скрипичных концертов. После этого в течение десяти лет они мне предлагали сыграть то, чего в списке не было. По-моему, они просто брали музыкальную энциклопедию. И мне пришлось выучить еще двадцать концертов. Мне было легко и интересно. Они заказывали в основном совершенно мне неизвестные сочинения, в том числе скрипичный концерт датского композитора Нильсона. В России о нем совершенно не знали. А в Копенгагене на одной из центральных площадей стоит ему памятник. — Тема свободы была очень актуальна, особенно в советское время. Вы были одним из первых музыкантов, который играл сонаты Изаи и первый концерт Прокофьева, вопреки всем уговорам Ямпольского. И все-таки вы его сыграли, и ваши соученики сказали: «Какая ужасная музыка!» Что вас подтолкнуло выйти за эти традиционные рамки? — Когда я услышал старую с трещинами довоенную пластинку Ойстраха, я совершенно обалдел от этой музыки и слушал её без конца, совсем заиграв пластинку. Потом я с большим трудом достал ноты. Это было практически первое исполнение в Советском Союзе этого концерта после войны, хотя и в переложении с фортепиано, но всё-таки. — С чем ассоциируется у вас вступление первой части? — Ассоциируется с божественной музыкой. Больше ни с чем совершенно. — В вашей книге вы упоминаете о хрущевской оттепели, когда в Москву стали приезжать такие великие музыканты как Иегуди Менухин, Глен Гульд, Исаак Стерн, Игорь Стравинский, американские симфонические оркестры, оркестр Венской филармонии в главе с Гербертом Караяном. Для вас это было большим потрясением? — Да! До этого мы такого не слышали. Я помню первый концерт Бостонского симфонического оркестра. Конечно, это было потрясением. Такое же потрясение у меня было от первого концерта Стерна в Москве. Еще я был на концерте Горовица. Но там было ощущение, что на сцене сидит живой памятник, и я себя щипал: «Неужели я слушаю живого Горовица?!» Что он играл, я не помню, но сам процесс завораживал совершенно. — Почему вы для себя выделяли именно Исаака Стерна? — Когда приехал Стерн, для нас это было откровение. Его считали нео-классиком, который как-то повернул скрипичную игру чуть-чуть в другую сторону. От открытых эмоций Менухина и Когана в классичность, некоторую самоограниченность, при этом его отличало феноменальное мастерство. Он по-другому играл, чем мы привыкли. У него было такое классическое вибрато, немного ограниченное. Стерн играл все классические концерты Баха, Бетховена, Мендельсона. После войны лет десять не было совсем никаких пластинок. Хочется что-то играть, нужно послушать, но невозможно. Вот радио висело, и оттуда неслись звуки. Я решил сыграть десятую сонату Бетховена, очень редко исполняемую, но я ее не слышал никогда. Так мне и пришлось самому разбираться. — Возможно, в этом заключается причина уникальности звука советских музыкантов, потому что им приходилось «вариться в собственном соку»? — У меня как-то было интервью на радио в Голландии. Они сказали: «Вы до 18 лет жили при Сталине. Как Вы вообще могли в этой обстановке жить?!» Я отвечаю: «А мы не знали, что эта какая-то обстановка, мы были полностью изолированы. Рыба живет в воде, но она не знает, что это вода. Она там живет, это ее жизнь. Вот так и мы жили в этой обстановке, но с некоторым риском». — Вы гастролируете практические всю свою жизнь. Вы можете назвать себя музыкантом-кочевником? — Первые пятнадцать лет моей деятельности я перемещался самостоятельно, вдвоем с пианистом или один, и посетил буквально все города Советского Союза. Я даже не могу назвать город на карте, где бы я не был. А потом были путешествия иного рода. Когда я стал работать в оркестре, там в основном были путешествия по Европе, Америке и Азии. — Несколько раз вы играли в Японии, верно? Какое впечатление на вас произвели японские концертные залы? — Япония с их отношением к классической музыке – совершенно уникальная страна. Там бывает, как мне сказали, до десяти симфонических концертов в один вечер в разных залах. Когда мы ездили с Арвидом Янсонсом, так получилось, что я десять раз сыграл скрипичный концерт Чайковского, а во втором отделении десять раз Шестую симфонию, сидя в оркестре. — Это было очень тяжело? — Да нет. Мне тогда все было легко. Я мог играть и пятьдесят раз подряд. Была такая гастроль. Потом приехала Элисо Вирсаладзе и десять раз сыграла фортепианный концерт. — «Любое искусство пытается быть похожим на музыку». Я знаю, что для большинства музыкантов существует только музыка. А у вас не возникает желания погружаться в другие виды искусств? — У меня возникает. Я в одно время страшно увлекался историей живописи и наизусть знал даты создания произведений и их авторов. Когда я впервые приехал в Италию, и начал там рассказывать о кватроченто, квинтеченто, итальянцы так удивились. Я скупал художественные открытки. Однажды, когда я приехал в Париж на конкурс, увидев это богатство в Лувре, я скупил все открытки! — А какой любимый период? — Итальянский Ренессанс. Это совершенно определенно. Я голландцев тогда практически не знал. Сейчас я больше имею дело с голландцами. Гости приезжают, надо же по музеям водить. Теперь я наизусть знаю Рейксмузеум и музей Ван Гога. — Музыка для вас – это профессия. Нет смысла спрашивать о любимом композиторе. А в живописи вы можете назвать одного из самых любимых художников? — Я очень люблю Ван Гога. Но это тоже связано с музыкой. Потому что у нас была такая программа для камерного оркестра Camerata Amsterdam: переписка Ван Гога с Тео. На огромном экране показывали его картины, и все это под замечательную музыку Бетховена, Равеля. Я как-то заболел немножко Ван Гогом. Мы ездили с этой программой по всей Голландии. — Кроме этого проекта, у вас были и другие, не менее интересные и запоминающиеся проекты в Camerata Amsterdam, верно? — Да, я был с самого начала существования этого камерного оркестра. Я придумал программу еврейской музыки, которая была очень хорошо принята. Я сам сделал переложения и транскрипции для скрипки с оркестром, и мы ее возили и по Испании, и по Германии. В в центре Мадрида два вечера подряд с полным залом. В России я ее тоже играл. — Вам очень близка эта музыка? — Очень. Я создал клезмерскую сюиту. Клезмер – это такой еврейский свадебный ансамбль, в котором играют скрипка, кларнет и контрабас. Как правило, этих музыкантов называют клезмерами. Я нашел диски со старыми дореволюционными записями и сделал такую сюиту, мы там поем немножко. В общем, там много всего интересного. — Интересно, когда происходит синтез искусств: музыка и театр, музыка и живопись. — Когда-то я участвовал в спектакле «Скрипач на крыше» в Москве. Был такой в 1987 году в Театре Оперетты. Там поставили спектакль по одноименному мюзиклу. Вся команда была из Екатеринбурга. У меня была, к счастью, бессловесная роль. Но я должен был болтаться со скрипкой по сцене, всем мешать и все время играть. Я сыграл около двадцати спектаклей. — Музыканту важно входить в образ? — Да, не всегда. По большей части это профессионализм. Потому что каждый раз переживать что-то такое невероятное, сил не хватит. Когда выходишь на сцену спокойствия большого нет. Был великий скрипач Шеринг, он был в первой пятерке скрипачей. Очаровательный, интеллигентный человек, разговаривал на всех языках мира. Но он должен был напиться перед концертом. — Сейчас музыкант оцениваться через призму успех — неуспех. Стремление к успеху может помешать развитию таланта у человека? — По-моему априори музыкант должен стремиться к успеху, иначе зачем тогда? Ну естественно, также как политик должен стремиться к власти, военный – к повышению звания. Без этого никак невозможно. К успеху нужно стремиться. Иначе что? Дома играть для родственников? — Сейчас много музыкантов, у которых техника игры находится на высочайшем уровне, но единицы обладают глубиной и харизмой. Музыкантов старшего поколения можно было отличить именно по свойственному только им стилю звучания. — Совершенно точно вы говорите. Особенно азиаты сейчас феноменально играют. Они заполонили все конкурсы, но кто сейчас знает эти имена? У меня были в Амстердаме японские студенты, невероятно одаренные, но дремучие. Глубина даётся только от рождения, научить этому нельзя. Только большие музыканты обладают уникальным «голосом». — Вы очень много преподавали. Вы почувствовали в себе призвание педагога? — Не то, чтобы я почувствовал призвание, просто у меня свой стиль. Я стараюсь не пропускать никаких вещей, которые мне не нравятся. Из-за этого иногда мне совестно перед педагогами на мастер-классе, когда я начинаю в каждой ноте делать то, что, на мой взгляд, необходимо. Многие проводят мастер-классы: «Очень хорошо. Замечательно! Прекрасно! В следующий раз!» А я вот этого не умею совершенно. И так и со своими студентами тоже. — Сложно осознавать, что, как музыканту, совершенство недостижимо? — В моем возрасте совершенства уже не достичь! (смеётся) Существует текучка: нужно выучить соло или партии, подготовиться к концерту. Других мыслей не возникает, надо просто делать. Беседу вела Елена Белова

    Belcanto.ru / 14 д. 16 ч. 53 мин. назад далее
  • Премьера «Тангейзера» на «Звёздах белых ночей»Премьера «Тангейзера» на «Звёздах белых ночей»

    1 июня в Концертном зале Мариинского театра под управлением Валерия Гергиева состоится одна из оперных премьер фестиваля «Звезды белых ночей» – «Тангейзер» Рихарда Вагнера. Постановку осуществят главный режиссер Новосибирского государственного академического театра оперы и балета Вячеслав Стародубцев и художник-постановщик Пётр Окунев, которые в марте 2019 года создали для Концертного зала Мариинского театра постановки одноактных опер Николая Римского-Корсакова «Моцарт и Сальери» и «Кащей Бессмертный». Премьерные показы «Тангейзера» под управлением Валерия Гергиева также пройдут 16 и 29 июня. Мировая премьера оперы «Тангейзер» состоялась в октябре 1845 года в Дрездене в Королевском саксонском придворном театре. Новое сочинение было принято неоднозначно и не слишком долго задержалось в репертуаре. Рихард Вагнер, не считавший оперу удачной, дважды перерабатывал ее финал. В результате появилось две редакции – парижская, созданная для парижского театра Большой оперы, и дрезденская, наиболее часто встречающаяся сегодня. В Мариинском театре «Тангейзер» впервые был поставлен 18 декабря 1874 года под управлением Эдуарда Направника, а спустя двадцать лет повторно под его же руководством – в 1893 году. Последней постановкой «Тангейзера» в Мариинском театре стал спектакль Николая Петрова в 1923 году. После его вывода из репертуара, на протяжении почти ста лет, опера звучала в Мариинском театре только в концертном исполнении. Напомним, что XXVII Музыкальный фестиваль «Звезды белых ночей» пройдет с 22 мая по 21 июля 2019 года на всех площадках Мариинского театра в Санкт-Петербурге. Пресс-служба Мариинского театра

    Belcanto.ru / 14 д. 17 ч. 58 мин. назад далее
  • Serato готовит к выходу новую DAW. Что о ней стоит знать?Serato готовит к выходу новую DAW. Что о ней стоит знать?

    Serato Studio — это рабочая станция в «диджейском стиле», которая проходит стадию бета-теста и скоро выйдет на рынок. Рассмотрим ее подробнее

    PromoDJ.ru / 14 д. 21 ч. 55 мин. назад
  • На Flow Festival этим летом выступят Nina Kraviz, Theo Parrish, The Black Madonna и многие другиеНа Flow Festival этим летом выступят Nina Kraviz, Theo Parrish, The Black Madonna и многие другие

    Электронной музыке на одном из лучших фестивалей в Европе (и самому близкому к России) будет посвящено как минимум две сцены

    PromoDJ.ru / 14 д. 22 ч. 46 мин. назад
  • Большая симфония в трёх дняхБольшая симфония в трёх днях

    На X Международном фестивале Мстислава Ростроповича в Москве Афиша нынешнего московского фестиваля (27 марта – 3 апреля), который в этом году отметил свой первый круглый юбилей, насчитывает шесть концертов. Все эти годы его художественным руководителем бессменно является Ольга Ростропович, и на 10-м фестивале праздник музыки ожидал меломанов не меньший, чем в предыдущие годы. Торжественное открытие фестиваля состоялось в Большом зале консерватории: в этот вечер Заслуженный коллектив России Академический симфонический оркестр Санкт-Петербургской филармонии имени Шостаковича выступил под управлением своего художественного руководителя и главного дирижера Юрия Темирканова. Завершить фестиваль двумя концертами на разных площадках столицы – в зале «Зарядье» и в Концертном зале имени Чайковского – выпала честь коллективу из Японии «Йокогама симфониетта»: место за дирижерским пультом оркестра занял его музыкальный руководитель и основатель Казуки Ямада. Центральным событием фестиваля на этот раз стал приезд в нашу страну (причем – не первый!) известнейшего коллектива из Италии – Оркестра Национальной академии «Санта-Чечилия» (Orchestra dell’Accademia Nazionale di Santa Cecilia). Под управлением своего музыкального руководителя Антонио Паппано, занимающего этот пост с 2005 года, музыканты из Рима дали два концерта в Большом зале консерватории 30 и 31 марта. Как солист к ним присоединился молодой, но уже довольно известный итальянский пианист Франческо Пьемонтези. А 29 марта на этой же сцене выступил Симфонический оркестр Мадрида (Orquesta Sinfónica de Madrid), коллектив, являющийся резидентом оперного театра «Реал». Место за его дирижерским пультом занял испанский маэстро Густаво Химено, а солисткой предстала испанская скрипачка Летисия Морено. Так что три концерта двух названных выше зарубежных коллективов (испанского и итальянского), которые друг за другом оказались в афише 29, 30 и 31 марта, на сей раз составили фестивальную «Большую симфонию в трёх днях», слушателем которой довелось стать и автору этих строк. В холодных объятиях импрессионизма Программу испанских музыкантов отличала явная интеллектуальная изысканность. В первом отделении от терпкого и сочного импрессионизма Равеля – «Альборады, или Утренней серенады шута», авторского оркестрового переложения (1918) фортепианной пьесы из собственного цикла «Отражения» (1905) – был совершен практически бесшовный переход к элегантной атонально-импрессионистской «медитации» Шимановского. Ею стал Первый концерт для скрипки с оркестром (1916, ор. 35), опус абсолютно новаторский для своего времени и по форме, и по звукоизобразительным средствам: от традиционной тональности и эстетики романтизма, свойственного XIX веку, эта музыка отходит уже абсолютно сознательно. Во втором отделении «драматургию импрессионизма» подхватила сюита для оркестра из балета Де Фальи «Любовь-волшебница» (1915–1916), и в ее финале прозвучал весьма эффектный (и наиболее известный) номер этого опуса «Ритуальный танец огня». Переход от Де Фальи к самобытному «русскому импрессионизму» Стравинского – к Сюите из его балета «Жар-птица» в третьей (наиболее фундаментальной) авторской редакции 1945 года, которую сам он ставил даже выше первоначальной партитуры балета (1910), – быть бесшовным вряд ли уже мог, ибо глубинная символичность Стравинского, почерпнутая им в недрах русского мелоса и мастерски модифицированная в шедевр абсолютно новой, но истинно русской музыки, – явление совершенно иного, несопоставимого ранга. Если же говорить о Симфоническом оркестре Мадрида, то его выступление в Москве выявило в сотрудничестве испанского дирижера с испанским оркестром один любопытный парадокс. Вовсе не атонально-импрессионистские искания Шимановского в его Первом скрипичном концерте, не весьма колоритная стилизация Равеля на испанскую тему и даже не собственно испанская музыка Де Фальи, а «Жар-птица» Стравинского стала в этот вечер подлинным хитом программы! Еще задолго до Москвы с маэстро Густаво Химено автору этих строк единожды довелось встречаться в Люксембурге на концерте Люксембургского филармонического оркестра (OPL), и было это за год до вступления дирижера в должность музыкального (художественного) руководителя этого коллектива (с сезона 2015/2016). В 2017 году контракт дирижера с OPL был продлен по сезон 2021/2022, так что на этом фестивале в Москве Густаво Химено выступил с Симфоническим оркестром Мадрида в качестве приглашенного дирижера, всё еще сохраняя статус музыкального руководителя OPL (при этом уже известно, что с сезона 2020/2021 вступит в действие его пятилетний контракт в должности главного дирижера с Симфоническим оркестром Торонто). В 2014 году в Люксембурге в тематической сборной программе под названием «Испания» также звучала сюита из «Любви-волшебницы» Де Фальи, и уже тогда рафинированность стиля маэстро, удивительная прозрачность оркестрового звучания, вовсе не отменявшая ни психологической глубины, ни эмоциональной экспрессии, заявили о себе в полной мере. А парадокс в том, что звучание испанского оркестра, представ и на сей раз педантично выверенным, сбалансированно ровным и по-прежнему «прозрачным», оказалось каким-то сухим и сдержанным, безэмоциональным и «стерильным»: пронизывающего чувственного драйва не ощущалось ни в музыке Равеля, ни в музыке Де Фальи. Шимановский – иное дело, ибо его опус – вовсе не для пылкого чувства, а для холодного и восхитительного в своей холодности рассудка, и Летисия Морено вела скрипичное соло в нём и расчетливо рационально, и мистически иррационально, и психологически «трагично», и загадочно… В качестве промежуточного сольного биса прозвучала «Колыбельная» из «Испанской народной сюиты» Де Фальи (в транскрипции для скрипки и арфы), а в качестве финального оркестрового биса – повтор его же «Ритуального танца огня», который после Сюиты из «Жар-птицы», в сущности, ничего уже и не решал. И всё же «новая» музыка Стравинского даже при общей сдержанной сухости оркестрового почерка этого коллектива пленила своей психологической цельностью, богатством звуковой палитры и тонкой, филигранной нюансировкой, а в знаменитом «Поганом плясе Кощеева царства» буквально «взорвалась» своей безудержной «дьявольской» экспрессией. По-видимому, для финала-апофеоза вечера эта сюита была выбрана неспроста: то, что испанские музыканты с испанским маэстро на сей раз не досказали в испанской музыке, вполне чувственно досказали в музыке русской. Во власти Бетховена В первый вечер, подаренный итальянскими музыкантами, бетховенская река началась с «ручейка» симфонической увертюры «Эгмонт» (1810, op. 84), в уверенное русло вошла с Третьим концертом для фортепиано с оркестром до минор (1800–1803, op. 37), а уже полновесно разлилась в Пятой симфонии до минор (1804–1808, ор. 67). Что ни опус, то хрестоматийный шлягер, но на сей раз «римские академики» каждый из них сыграли так свежо, темпераментно и стилистически первозданно, что ни о какой заштампованности и заигранности речи быть просто не могло! При этом сама стилистическая первозданность заметно бóльший упор делала не на классических устоях знаменитой венской школы, а на романтическом подтексте музыки, который абсолютно естественно и закономерно в начале XIX века постепенно начинал формировать новый романтический тренд как со стороны создававшейся музыки, так и ее исполнения. Это впечатление весьма рельефно, ведь на исполнении в Москве того же сáмого Фортепианного концерта Бетховена Симфоническим оркестром Венского радио, что произошло совсем недавно, крен музыки был задан, определенно, в сферу бóльшей «инструментальности» и филигранной «классичности» как со стороны оркестра, ведóмого Андреем Борейко, так и со стороны французского пианиста Давида Фрэ. При этом Бетховен и в оркестре Антонио Паппано, и в упоительно красочном пианизме Франческо Пьемонтези просто обдавал благодатной теплотой, мягкостью романтического порыва, истаивающими и восхитительно элегантно «взрывающимися» звучностями, не теряя при этом ни четкой ритмической выразительности, ни эмоциональной акцентированности. То, что Франческо Пьемонтези – истинный «романтик фортепиано», показал не только Третий концерт Бетховена, в котором каждая извлекаемая нота была окрашена поистине гаммой красочных оттенков, но и сыгранный им сольный бис – Экспромт ля-бемоль мажор Шуберта (op. 90, № 4). А в завершении всей программы на бис прозвучала увертюра к «Свадьбе Фигаро» Моцарта, и восхитительная, искрящаяся, как пузырьки шампанского, «алгебра гармонии» другого венского классика поставила в этом вечере финальную точку. Впервые Оркестр Национальной академии «Санта-Чечилия» со своим нынешним музыкальным руководителем Антонио Паппано мы услышали в Москве в 2007 году на давно почившем в бозе Фестивале симфонических оркестров мира с программой из сочинений Берлиоза, Чайковского и Респиги. Тот визит «римских академиков» в плане музыкальных впечатлений оказался довольно неровным, но роскошные «Фонтаны Рима» и «Пинии Рима» Респиги невозможно забыть до сих пор! Второй приезд оркестра в Москву в 2012 году связан уже с III Международным фестивалем Мстислава Ростроповича, так что феерическое возвращение Национальной академии «Санта-Чечилия» на столь брендовый музыкальный форум отрадно вдвойне! В оба приезда оркестра его концерты проходили в Колонном зале Дома Союзов, и семь лет назад казалось, что к нам приехал совсем другой коллектив, ибо его игровая форма претерпела существенное качественное изменение. Он стал единым слаженным инструментом, и впрямь академией «симфоников»-единомышленников, которая смогла предъявить уже и свой фирменный стиль игры, и свое фирменное звучание. И в этом была несомненная заслуга всех предшествующих лет, потраченных Антонио Паппано на посту музыкального руководителя коллектива на достижение такого впечатляющего результата! В упоении Малером Бетховена, а тем более целую его монографическую программу, маэстро-дирижер со своим оркестром представил в Москве впервые, и задел академичности популярнейшей триады опусов венского классика стал фантастически красивым музыкальным разбегом первого дня перед длинной симфонической дистанцией дня второго. Речь идет о Девятой симфонии ре мажор Малера (1909), марафон которой, несмотря на всю многогранную сложность партитуры и абсолютную ее «нешлягерность», слушателям довелось преодолеть на едином дыхании. Этот последний завершенный опус Малера – его прощание с жизнью, когда никаких иллюзий, что финал пути близок и борьба тщетна, уже не остается. Именно так с Малером и было, но, цепляясь за жизнь из последних творческих сил, он сумел создать удивительное по своей тонкой рефлексивности и глобальной психологической «космичности» полотно, нарушив все мыслимые формы композиционного построения, но решив сверхзадачу и явив миру свой «нешлягерный» шедевр во всём его величии… Девятая симфония – последний крупный скол глыбы классико-романической традиции XIX века, которая вместе с малеровской «Песнью о земле» (1908–1909), завершила эту традицию в XX веке. Волны ностальгических воспоминаний в Andante comodo первой части, переливающиеся то светом, то накатами бурь, Антонио Паппано не обрушивает на слушателя, а подает в очень красивой романтически живой упаковке, выступая при этом не отстраненным «созерцателем от автора», а словно alter ego самогó Малера, слившимся с музыкой радости, света и затаенной печали. Общая эмоциональная сдержанность этого опуса отчасти прорывается уже в брутальном, но всё еще «спокойном» Scherzo второй части, а затем и в единственно действенной, нарочито вызывающей третьей части (Rondo-Burleske). Интонации оркестра в центральных частях симфонии при всей сложности ее формы очень просты и человечны, и в них дирижер, отказавшись от «капельмейстерской» созерцательности еще в первой части, в проведении своей неравнодушной линии, которая сдержана лишь рамками самóй музыки, предстает наиболее ярко и глубоко – философски рассудительно, но по-земному рационально и по-человечески искренне. В отличие от теплоты и мягкости, что сообщались бетховенскому оркестру, в опусе Малера дирижер добивается от музыкантов акцентированной рафинированности, поистине чеканного, истинно немецкого романтического звучания как в нежнейших piano, так и в мощных, но изумительно сбалансированных «оркестрово-прозрачных» tutti. Под пассами маэстро позднеромантическая канва Девятой симфонии с ее прихотливой динамикой, эмоциональной медитативностью, наполнено-живой аффектацией и переменчиво пестрой красочностью оказывается подчиненной едва ли не магическому темпоритму, который легко вступает в резонанс с биением сердец в зале. При этом ни на миг не сбившись с собственного ритма, растворившись в мощи и нежности этого фундаментального полотна и пройдя через его «музыкальную Голгофу», в финале заключительного Adagio – одного из выдающихся образцов в симфоническом творчестве Малера – мы словно возрождаемся на качественно новом витке своего внутреннего мироощущения: как сознательного, так и бессознательного… Фото Александра Курова

    Belcanto.ru / 15 д. 17 ч. 37 мин. назад далее
  • Донвена Пандурски: «Влияние русского балета на болгарский — огромно»Донвена Пандурски: «Влияние русского балета на болгарский — огромно»

    В этом году в Болгарии проходят многочисленные мероприятия, приуроченные к 120-летнему юбилею «классика болгарской музыки» Панчо Владигерова. Софийский театр оперы и балета 15 марта представил вниманию зрителей совершенно новую интерпретацию единственного балета знаменитого композитора «Легенда об озере». Мы поговорили с хореографом и автором либретто Донвеной Пандурски, хорошо известной российскому зрителю по нашумевшим спектаклям в Мариинском театре, о новой постановке, о труппе софийского балета и о петербургской балетной школе. — Госпожа Пандурски, вы давно живете и работаете за пределами Болгарии, как получилось, что вы снова сделали постановку на Софийской сцене? — Когда директор Софийского театра оперы и балета Пламен Карталов пригласил меня создать новую постановку балета «Легенда об озере» в связи с 120-летним юбилеем нашего великого композитора Панчо Владигерова, я согласилась без малейшего колебания. Маэстро Карталов позвонил мне со словами: «Премьера через год, 15 марта», — и я ответила «да», даже не проверив, нет ли у меня уже на эту дату ангажементов. Я одновременно была очень рада и крайне взволнована: ведь я вернулась в свой родной город, в театр, где я делала свои первые шаги в профессии, чтобы поставить балет на невероятную музыку! Насколько мне известно, дирекция театра на протяжении нескольких лет обдумывала возможность постановки «Легенды об озере», но в силу различных причин эту идею удалось реализовать только сейчас. И я необыкновенно счастлива, что стала частью этого проекта. — Как вы оцениваете музыку Панчо Владигерова? — Для меня Панчо Владигеров стоит в одном ряду с крупнейшими композиторами по серьезности, масштабу и богатству палитры его симфонической музыки. Его по праву называют «классиком болгарской музыки». Могу сказать, что во время работы с этой музыкой испытывала те же эмоции, как и при работе с произведениями таких величайших русских композиторов как Рахманинов и Чайковский. Безусловно, в творчестве Владигерова особенно волнующе для меня — это самобытная болгарская музыка, которая тесно связана с нашим фольклором, но при этом в симфонических моментах много импрессии, поэтичности, глубокого драматизма. — Музыка «Легенды об озере» особенная, непривычная для балета… — Да, музыка для балета непривычная, исключающая такую традиционную танцевальную форму как па-де-де. Но у меня уже есть опыт постановки балетов на симфоническую музыку, поэтому и работа над хореографическим текстом «Легенды об озере» для меня была особенно интересной. Музыка исключительно красивая, но непростая как для исполнения оркестром, так и для артистов балета, поскольку очень часто происходит смена тактового размера, а также композитор использует неравнодольные метры, присущие болгарской народной музыке. На мой взгляд, неравнодольные метры звучат поразительно современно. Поэтому при создании хореографической интерпретации я постаралась использовать современную пластику, именно она, на мой взгляд, наиболее точно может выразить музыку Владигерова. Несмотря на то, что фольклорные мотивы звучат постоянно, движения ни в один момент не напоминают хоровод — таково мое видение национального колорита в актуальной интерпретации. В сущности, моя хореография — неоклассика, артисты танцуют «на пальцах». Эта музыка дает широкие возможности для постановщика: в балете есть как многочисленные массовые сцены, так и множество лирических моментов. Несмотря на то, что в постановке нет классических па-де-де, у главных героев — Князя и Девы озера — достаточно возможностей, чтобы продемонстрировать публике свое мастерство. — Вы являетесь и автором либретто? — Балет «Легенда об озере», музыка к которому была написана в 1946 году, не ставился на сцене более 40 лет. Оказалось, что оригинальное либретто давно утрачено в архивах Софийского театра оперы и балета. Артисты, которые участвовали в постановке 1962 года, только примерно помнили, о чем шла речь. Но я была настолько вдохновлена красотой музыкальной партитуры, что история почти моментально родилась у меня в голове. Я постаралась, чтобы либретто как можно точнее передавало настроение музыки Панчо Владигерова. В сюжете много аллегорических и метафорических моментов. Здесь тесно переплетены фантазия и реальность. Это легенда о человеке и природе. С одной стороны есть природа, которую олицетворяет Бог Солнца, озерные нимфы, Дева Озера — получеловек-полунимфа, обладающая очищающей силой воды и света. С другой стороны, значительная роль отведена пустынному племени и войнам — реальным мужчинам и женщинам. Действие развивается в сказочном месте в сказочное время. Но мы видим, в первую очередь, человека с его вечными чувствами, страстями и переживаниями. Вечная тема любовного треугольника. Здесь есть место и любви, и ненависти, и зависти — всей той палитре чувств, которые сопровождают человечество весь период существования. Спектакль имеет современную трактовку, но в своей постановке я осталась верна той мистике, которая заложена в названии балета. Мне очень хотелось, чтобы эта атмосфера таинственной легенды сохранялась на сцене. Павлу Шаппо — молодому и талантливому художнику по костюмам — удалось создать абстрактные костюмы, передающие это настроение. Вся сценография позволяет зрителю погрузиться в сказку. Здесь необходимо упомянуть и о работе замечательного художника по свету Александра Наумова, который на протяжении многих лет работает в Мариинском театре. Предложенное им свето-цветовое решение придает спектаклю особую эмоциональную выразительность. Благодаря такому сценическому свету нам удалось, повторюсь, погрузить зрителя в атмосферу сказки. Вообще я счастлива, что мне удалось пригласить целую постановочную группу из России, этот творческий контакт очень важен для болгарского балета. — Как протекала постановочная работа? — Прежде всего, должна сказать, что я была приятно удивлена высоким уровнем балетной труппы. Малочисленная труппа — чуть более 60 человек — поддерживает огромный классический репертуар. Среди артистов много молодых людей, полных энтузиазма, каждый из них обладает своей собственной творческой индивидуальностью, что мне позволило правильно подобрать танцовщиков для различных ролей. Когда я приехала с партитурой и хореографическим текстом и познакомилась с труппой, закипел настоящий творческий процесс. Артисты вдохновили меня на новые открытия. Так, у нас три различных состава для главных ролей, каждый получился интересным по-своему. Я не люблю ограничивать исполнителей жесткими рамками: даю возможность вложить в роль что-то свое, поэтому все образы получись разные. Моя задача, как хореографа, проникнуть в индивидуальность каждого артиста, и уже в совместном творческом процессе создать сценический образ. Всегда стараюсь давать свободу артистам в жестах, движениях, осанке. Репетиционный процесс был крайне напряженным: ведь у нас для подготовки спектакля был только один месяц. Работали 6 дней в неделю почти круглосуточно, но репетиции протекали на одном дыхании — так все были увлечены. Очень много артистам труппы дала работа с балетмейстером Вячеславом Хомяковым, которого я пригласила специально для подготовки «Легенды об озере». Мы работали вместе с ним во время постановок в Мариинском театре, у него колоссальный опыт. Работа с балетмейстером-репетитором такого уровня, даже в течение всего одного месяца, для наших танцовщиков большая удача, именно он довел каждое движение на сцене до совершенства. Работа не была простой, но результат того стоит. — Вячеслав Хомяков и Александр Наумов работают в Мариинском театре, расскажите о вашей работе на этой великой сцене. — Вы знаете, когда я в 2006 году получила приглашение от всемирно известного художника Михаила Шемякина участвовать в постановке балета «Волшебный орех», в котором рассказывается предыстория «Щелкунчика», я просто не могла поверить своему счастью! За 20 лет до этого я закончила балетмейстерскую кафедру консерватории имени Римского-Корсакова в тогдашнем Ленинграде. И я даже не могла мечтать, что однажды пересеку Театральную площадь, чтобы войти в Мариинский театр и работать с его знаменитой труппой. Масштабы постановок, которые мы сделали вместе с Михаилом Шемякиным колоссальны, профессионализм танцовщиков уникален. Приходилось работать с несколькими составами и с десятью ассистентами. Репетиционный процесс продолжался по 12 часов в сутки: один состав выходит из зала, сразу же заходит другой. Рядом со мной неотлучно была великая прима-балерина Ольга Моисеева, готовая в любой момент помочь артистам, подсказать, обратить внимание на ошибки. В таком профессиональном окружении невозможно не быть на высоте. К счастью, я справилась и даже получила отдельную похвалу от тогдашнего руководителя балетной труппы Мариинского театра Махара Вазиева, который назвал меня уникальным балетмейстером, работающим без криков и скандалов. К сожалению, сегодня болгарский балет почти утратил связь с русским, несмотря на то, что все мы воспитаны на традициях великой русской школы. Наши самые яркие танцовщики воспитывались в свое время в СССР, достаточно вспомнить Евгению Крыстеву, Бисера Деянова, Павлину Гелеву, Ясена Вылчанова. У нас было огромное преимущество — образно говоря, пить воду из источника, поскольку русские педагоги всегда предпочитали работать с болгарами. Так что, само собой разумеется, что влияние русского балета на болгарский — огромно. По моему мнению, труппа Софийского балета соответствует мировому уровню, а основная предпосылка для этого в том, что наши артисты впитали в себя традиции русской школы. Именно используя базу петербургской балетной академической школы, я создала для «Легенды об озере» современную хореографическую интерпретацию. Беседу вела Анастасия Бубенец

    Belcanto.ru / 15 д. 17 ч. 38 мин. назад далее
  • Распродажа Gibson в интернет-магазине MUSIC STOREРаспродажа Gibson в интернет-магазине MUSIC STORE

    Фантастические гитары Gibson по резко сниженным ценам! У Вас есть уникальная возможность приобрести оригинальный Gibson. Предложение действует, пока товар есть в наличии! Все предложения на сайте нашего партнера MUSIC STORE: https://www.musicstore.de/ru_RU/RUB/Gibson-Deal-des-Jahres?campaign=Guit...

    GuitarPlayer.ru / 16 д. 4 ч. 37 мин. назад
  • Прекрасный союз. Артемий Троицкий продвигает хороший вкус и профессиональный опыт Прекрасный союз. Артемий Троицкий продвигает хороший вкус и профессиональный опыт

    Хедлайнеры сто седьмого выпуска программы "Музыка на Свободе"​ – исполнители рок-композиций разных стран и народов, сотрудничающие с независимым британским лейблом звукозаписи Bella Union. Рок-критик Артемий Троицкий с увлечением следил за тем, как участники дуэта Cocteau Twins к своим талантам музыкальных бунтарей прибавили способности бизнес-управляющих и худруков, да ещё получали от этого удовольствие. Моду на (возможно, дурную) привычку создавать собственные фирмы звукозаписи ввели ещё Beatles, когда в 1968 году учудили свой знаменитый Apple. Их примеру последовали многие, терзаясь иллюзией, что свой логотип способен обеспечить независимость от алчных музыкальных мажоров. У подавляющего большинства музыкантов ничего из этого не получилось. Успеха добились только английский электронщик Дэниель Миллер со своим Mute Records и американский полит-панк Джелло Биафра с Alternative Tentacles. Дополняют блестящую троицу герои нашего сегодняшнего выпуска – Саймон Реймонд и Робин Гатри, основавшие накануне распада своей главной группы, Cocteau Twins, лейбл под названием Bella Union. Дело было в 1997 году. Расставшись со своей вокалисткой Лиз Фрейзер, Реймонд и Гатри занялись сольными проектами (у Гатри – дуэт Violet Indiana) и стали работать на собственном лейбле. Пригласили и других артистов, узкопопулярных среди профессионалов – в частности, американскую группу The Tzars ("Цари") с мощным певцом Джоном Грантом и австралийцев Dirty Three, любимцев Ника Кейва. В 2000 году Гатри переехал жить во Францию, и единственным управляющим "Прекрасного союза" стал Реймонд. Кредо компании он сформулировал так: во-первых, полная эклектика и фокусировка на таланте, а не на стиле и тусовке. И впрямь, артистов, исповедующих настроения Cocteau Twins ("эфемерная волна", "дрим-поп", "готик-фолк"...), в каталоге лейбла незначительное меньшинство. Во-вторых, и это уже совсем необычно, Саймон работает только с теми музыкантами, "которые нравятся нам как люди". Такой идеалистичный подход, помноженный на великолепный вкус и музыкальный опыт Реймонда (как-никак, одного из главных архитекторов альтернативного рока 1980-х и 1990-х) сработал! С 2010 года компания Bella Union четыре раза признавалась лучшим независимым лейблом в Великобритании. Некоторые из артистов BU (Джон Грант, Beach House, Fleet Foxes, Father John Misty), отнюдь не будучи "попсовыми" и без малейшей медиараскрутки, заработали "золотые" и даже "платиновые" диски.  Holly Macve с композицией The Corner of my Mind Многие клиенты Bella Union звучали в нашей программе; на очереди новые релизы Mercury Rev и Beach House. Но сегодня я хотел бы познакомить вас с дебютантами лейбла, некоторые из которых пока совсем неизвестны. Начнём с абсолютной дебютантки по имени Холли Макви. Когда я услышал её пение, сомнений не было: американка, причём из глубокой провинции. Оказалось, нет, англичанка, 21 год от роду. Правда, тоже из относительной глуши, из Йоркшира. Первый альбом, "Золотой орёл", уже собрал массу восторженных откликов. Другие дебютанты – дуэт из Монреаля The Beat Escape. Пожалуй, это электро-поп: более смурной и психоделический, чем Pet Shop Boys, но менее жёсткий, чем Depeche Mode. Хорошие мелодии, миловидная внешность участников – определённо, имеется коммерческий потенциал. Philip Selway с композицией Walk А вот Филипа Селвея представлять не надо: он ни много ни мало – барабанщик Radiohead! Но на Bella Union он тоже дебютирует, в качестве автора киномузыки. Саундтрек к психологической драме "Дай мне уйти" довольно традиционен; преобладает оркестровое звучание. Выделяется один из немногих вокальных номеров – песня "Иди" в исполнении солистки Lamb Лу Родс.  Ezra Furman с композицией Come Here Get Away from Me Эзра Фурман – быстро восходящая американская, а может быть и мировая, поп-звезда. Его новый альбом, "Трансангельский исход", явно не вписывается в рамки музыкальных клише. Открытый гей, Фурман поёт песни страстные, немного ретровые по музыке, но суперактуальные по содержанию. На ум приходит, с одной стороны, Марк Алмонд, с другой, как это ни странно, даже Элтон Джон – только такой, каким он был в начале 70-х. Ну и, наконец, северная экзотика: она представлена исландской группой Mammút. В группе царит матриархат, и творческие параллели с Бьорк совершенно оправданны.  Mammút с композицией Walls Вот такой калейдоскоп: всё и отовсюду! Я давно знаком с Саймоном Реймондом, всегда за него болел, но, честно говоря, не думал, что у него так здорово получится справляться с работой управляющего и худрука! Другим наука.  Плей-лист программы "Музыка на Свободе" (выпуск 107): 1. Madonnatron (UK). Be my Bitch, LP Madonnatron  2. Kodjovi Kush & Afrospot All Stars (Togo). Ewe Blues, LP Love in Africa  3. Melanie de Biasio (Belgium). Let me Love You, LP Lilies  4. Bark Bark Disco (Malta/Germany). Never Let You Down, LP Holy Smokes 5. Holly Macve (UK). The Corner of my Mind, LP Golden Eagle  6. The Beat Escape (Canada). Where Water Ends, LP Life Is Short, The Answer's Long  7. Philip Selway ft. Lou Rhodes (UK). Walk, LP Let Me Go  8. Ezra Furman (USA). Come Here Get Away from Me, LP Transangelic Exodus  9. Mammút (Iceland). Walls, LP Kinder Versions  10. Son Lux (USA). Forty screams, LP Brighter Wounds  11. By The Waterhole (Norway). The End of it All, LP Two  12. Pati Na Svete (Czech Republic). My Life as a Demo Version, LP Uniori

    Радио Свобода / 21 д. 11 ч. 11 мин. назад далее
  • Русский канон. Артемий Троицкий гоняет по ночному проспектуРусский канон. Артемий Троицкий гоняет по ночному проспекту

    Хедлайнеры сто шестого выпуска программы "Музыка на Свободе"​ – советский и российский рокер Алексей Борисов и главный проект его творческой жизни, ансамбль "Ночной проспект". Рок-критик Артемий Троицкий давно и пристально изучает и анализирует художественные искания Борисова, который не торопится следовать русскому музыкальному канону, но сам создаёт его. Сегодняшний вернисаж галереи музыкальных выдумщиков посвящается Алексею Борисову – музыканту и иногда вокалисту, участнику бесчисленных музыкальных проектов и моему старинному приятелю. Родился Алексей в винтажном для передовой российской музыки 1960 году, а значит, познакомились мы, когда Лёше было 23 года. Незадолго до этого он окончил исторический факультет МГУ и работал, если память мне не изменяет, там же, где мой отец, – в знаменитом ИМЭМО, Институте мировой экономики и международных отношений. Но встретились мы совсем не по этой линии. В то время Борисов играл и пел в группе "Проспект" – ретро-ансамбле, исполнявшем советский твист 60-х годов; примерно та же ниша, что группа "Браво". До этого Алексей подыгрывал на гитаре в группе "Центр", но этого раннего периода я не застал. Чуть позже, на заре перестройки, когда песнями советских композиторов уже можно было не маскироваться, проект Борисова сменил название на более таинственное "Ночной проспект", усилился клавишником и композитором Иваном Соколовским и стал исполнять актуальную музыку в стиле электронной "новой волны". "Ночной проспект" и Наташа Боржомова с композицией "Ох!" Поёт Алексей Борисов неплохо, но, по-видимому, не очень любит это занятие. В "Ночном проспекте" появилось немало приглашённых вокалистов обоих полов, помимо малоизвестных и теперь уже совсем забытых Наташи Боржомовой и Нового Романтика, это была и Жанна Агузарова. Но главный хит того периода исполнила всё же Боржомова – это песня, официально именуемая "Ох!", но памятная по первой строке: "Ох, если бы я умерла, когда я маленькой была..." К сожалению, сочинение оказалось пророческим: отчаянная девушка Наташа  (настоящая её фамилия Агапова) вскоре скончалась. Борисов, помимо основной группы, осуществлял довольно своеобразные студийные проекты: записал набор советских шлягеров в электронной аранжировке ("Цвета позолоченных лет"); под псевдонимом Алексей Столичных  выпустил альбом "Богатство", ироничный гимн гламурной московской жизни; аккомпанировал и продюсировал Александра Барабашева. Диск Барабашева ("Привет, Москва!") вышел на лейбле с гордым названием "МГУ Рекордс".  Александр Барабашев и "Ночной проспект" с композицией "На разных квартирах" "Ночной проспект" с композицией "Радиоприёмник" Постепенно музыка "Ночного проспекта" становилась всё более жёсткой: альбомы "Демократия и дисциплина" и особенно "Кислоты" (1987–88 годы) не вписывались в канву мелодичного электро-попа и постмодернового ретро. Это были очень жёсткие, бескомпромиссные по звуку работы, вполне позволяющие назвать группу Борисова-Соколовского первопроходцами стиля "индастриал" на нашей территории. Ощутимого публичного успеха "Ночной проспект" не имел, но пользовался непререкаемым уважением среди музыкантов и самых "продвинутых" меломанов. Алексей оставался фигурой загадочной и уникальной: миловидный, стильный и аккуратный, скромный и сдержанный, он выглядел чуждым среди расхристанных рокеров. Зато прекрасно смотрелся бы в качестве молодого дипломата, учёного или даже бюрократа. Честно говоря, не знаю, когда Лёша завершил – и завершил ли вообще – свою научную карьеру, но стиль и манеры интеллектуала он сохранил в полном объёме.  Fake Cats Project с композицией "Белые ночи" С начала 90-х годов "Ночной проспект" ведёт полулетаргическое существование; в 2005-м умер после тяжёлой болезни Иван Соколовский; состав группы неоднократно менялся. Параллельно Борисов участвовал в бессчётных "одноразовых" и нескольких долгоиграющих проектах. К последним относился электронный дуэт F.R.U.I.T.S. с композитором Павлом Жагуном, этно-роковое трио "Волга" с прекрасной солисткой Анжелой Манукян, и экспериментальная группа Fake Cats Project, стилистику которой я определить не берусь. По количеству альбомов, вышедших за границей, Борисов, возможно, превзошёл всех своих российских коллег – этих альбомов не менее полутора десятков. Все они записаны в сотрудничестве с уважаемыми мировыми авангардистами, от финна Антона Никкиля до японца K.K.Null. "Ночной проспект" с композицией "Полиуретан" Это инструментальная электро-акустическая музыка, зачастую импровизированная, затрагивающая различные радикальные направления, от "шумовой" до фри-джаза. К сожалению, эти записи отнюдь не отличаются "радиодружелюбием". Прослушав шесть новых альбомов Алексея в различных творческих комбинациях, в программе я готов предложить вам треки из двух – "Русского Канона" очень странных Fake Cats и – сюрприз, сюрприз! – свежего "Ночного проспекта" под названием "Полиуретан". Здесь, как и почти 35 лет назад, зазвучал женский голос. Вокалистку и барабанщицу зовут Ольга Носова. И есть у меня подозрение, что неутолимая страсть Лёши Борисова к новой музыке принесёт его заинтригованным поклонникам ещё массу сюрпризов.  Плей-лист программы "Музыка на Свободе" (выпуск 106): 1. Franz Ferdinand (UK). Always ascending, LP Always Ascending  2. Nona Hendryx & Gary Lucas (USA). When it Blows it Stacks, LP The World of Captain Beefheart  3. Massa Dembele (Burkina Faso). Sia, LP Mezana Dounia  4. C.A.R. (France). VHS, LP Pinned  5. "Ночной Проспект" и Наташа Боржомова (СССР). "Ох!", LP "Незнакомые лица"  6. Александр Барабашев и "Ночной Проспект" (СССР). На разных квартирах, LP "Привет, Москва!" 7. "Ночной Проспект" (Россия). "Зимнее море", LP "Полиуретан"  8. Fake Cats Project (Россия). "Белые ночи", LP "Русский канон" 9. The Moonlandingz (UK). Vessels, LP Interplanetary Class Classics  10. Tunto (Finland). Moroccan Train Twist Music, LP Ilona  11. Irma Vep (UK). Still Sorry, LP No Handshake Blues  12. Damaged Bug (USA). Bog Dash, LP Bunker Funk  13. Okzharp & Manthe Ribane (UK/South Africa). W U @, LP Closer Apart

    Радио Свобода / 27 д. 3 ч. 23 мин. назад далее
  • Fame Acoustic Amps в интернет-магазине MUSIC STORE  Fame Acoustic Amps в интернет-магазине MUSIC STORE

    MUSIC STORE предлагает акустические усилители Fame с питанием от батареи или от сети по доступной цене! Все предложения на сайте нашего партнера MUSIC STORE: https://www.musicstore.de/ru_RU/RUB/fame-acoustic-amps?campaign=Guitarpl...

    GuitarPlayer.ru / 36 д. 2 ч. 4 мин. назад
  • TC Electronic G-Major 2 в интернет-магазине MUSIC STORE TC Electronic G-Major 2 в интернет-магазине MUSIC STORE

    MUSIC STORE предлагает рэковый процессор TC Electronic G-Major 2 меньше чем за полцены! Осталось 20 штук! Доставка в Россию всего за 20 евро! Все предложения на сайте нашего партнера MUSIC STORE: https://www.musicstore.de/ru_RU/RUB/TC-Electronic-G-Major-2/art-GIT00153...

    GuitarPlayer.ru / 49 д. 2 ч. 36 мин. назад
  • Sofi Tukker: 21 марта, клуб «Космонавт» (СПб)Sofi Tukker: 21 марта, клуб «Космонавт» (СПб)

      Номинанты премии «Грэмми», участники Park Live 2018, американский электро-дуэт Sofi Tukker даст первый сольный концерт в Санкт-Петербурге 21 марта в клубе «Космонавт». Sofi Tukker — дуэт, который состоит из Sophie Hawley-Weld и Tucker Halpern. Они получили известность в 2014 году, благодаря своему хиту «Drinkee». Этот дуэт стал номинантом Грэмми сразу, как только заявил о себе!  В 2016 году группа выпустила свой дебютный EP «Soft Animals». Название релиза взято из слов поэмы известной поэтессы Мэри Оливер. А в 2017 году Sofi Tukker выпустили такие синглы как «Johny» и «Best Friend», которые вошли в саундтрек к игре FIFA 18. Также песня «Best Friend» прозвучала на презентации Apple iPhone X. В 2018 году у группы вышел первый студийный альбом «Treehouse», получив номинацию на Грэмми в этом году. После ошеломительного выступления на фестивале Park Live в 2018 году, Sofi Tukker возвращаются в Россию, чтобы дать два больших сольных концерта в Москве и Санкт-Петербурге! Билеты можно приобрести в кассе клуба  «Космонавт» или по ссылке. Слушайте Treehouse — Sofi Tukker на Яндекс.Музыке

    Apelzin.ru / 49 д. 23 ч. 22 мин. назад далее
  • MUSIC STORE предлагает электрогитары IbanezMUSIC STORE предлагает электрогитары Ibanez

    MUSIC STORE предлагает электрогитары и бас-гитары по сниженной цене! Все предложения на сайте нашего партнера MUSIC STORE: https://www.musicstore.de/ru_RU/EUR/ibanez-deals?campaign=Guitarplayer-r...

    GuitarPlayer.ru / 65 д. 20 ч. 21 мин. назад
  • MUSIC STORE предлагает электрогитары Fame Forum II MUSIC STORE предлагает электрогитары Fame Forum II

    MUSIC STORE снизил цены на электрогитары Fame Forum II специально для покупателей из России, чтобы вы смогли заказать не превышая беспошлинный порог! Все предложения на сайте нашего партнера MUSIC STORE: https://www.musicstore.de/ru_RU/RUB/Fame-Forum-II-Cherry-Satin/art-GIT00...

    GuitarPlayer.ru / 86 д. 16 ч. 38 мин. назад